Marginalização generalizada do funk prejudica cultura da juventude – Dia do Funk 07/07

Na última quinta-feira (07) foi comemorado o Dia Estadual do Funk. A data surgiu após a morte do funkeiro MC Daleste, assassinado durante um show com tiros na região abdominal em 07 de julho de 2013. O ex-governador de São Paulo, Geraldo Alckmin, sancionou a data comemorativa no dia 21 de setembro de 2016. A sanção foi realizada dois anos depois que a então deputada estadual Leci Brandão (PCdoB) apresentou o projeto na Câmara Federal. O funk é um gênero musical majoritariamente periférico que sofre ataques desde sua origem no Brasil, nos anos 80, quando as músicas faziam a alegria de frequentadores de bailes do Rio de Janeiro.

Funk é crime? Não! (Mas não por falta de tentativa)

Em 1995, o município do Rio de Janeiro iniciou uma CPI para enquadrar a possível parceria entre cantores e organizadores de eventos de funk e o tráfico, mas a investigação não encontrou provas nem nenhum tipo de ligação.

Insatisfeitos com o resultado, em 1999 foi aberta uma CPI estadual, intitulada “CPI do Funk” (nome familiar? Recentemente tivemos a “CPI do Sertanejo”, explicada neste post. Spoiler: a única similaridade é o nome.), a investigação perseguiu mais uma vez a procedência dos bailes em relação a violência, circulação de drogas e possíveis crimes contendo menores de idade, mas novamente não houve provas suficientes. Mesmo com o resultado negativo das CPIs, foi criada a Lei Estadual nº 3.410/2000, que apresenta diversas regulamentações e regras para a organização de bailes.

Em 2013, os vereadores de paulistanos Coronel Camilo (PSD) e Conte Lopes (PTB) apresentaram um Projeto de Lei que proibiria a realização dos “fluxos” nas vias públicas da cidade. O então prefeito Fernando Haddad vetou o PL, mas assinou um decreto impondo multa para quem utilizasse som automotivo muito alto em determinados horários, atrapalhando a vizinhança.

Recentemente, em 2017, o Projeto de Lei nº 65.513/2017 foi posto para votação a fim de proibir o funk em território nacional. O projero, criado por um empresário paulista, dizia que os bailes são “um recrutamento organizado nas redes sociais por e para atender criminosos, estupradores e pedófilos à prática de crime contra a criança e o menor adolescente ao uso, venda e consumo de álcool e drogas, agenciamento, orgia e exploração sexual, estupro e sexo grupal entre crianças e adolescentes, pornografia, pedofilia, arruaça, sequestro, roubo e etc”. Embora tenha recebido mais de 40 mil assinaturas em apoio, acabou sendo rejeitado pelo senado.

As tentativas de criminalizar o funk vêm de um histórico de outras ações contra gêneros periféricos e estigmatizados por muitos anos, como o hip-hop, jazz e blues, todas terminantemente sem sucesso. Silvio Essinger, escritor do livro “Batidão: uma história do funk“ resume a polêmica em seu livro com uma metáfora clara: “Não tem nenhum sentido criminalizar o funk para acabar com a criminalidade, é como uma pessoa flagrar uma traição e jogar a cama fora.”

[Foto: Freepik.]

Ascensão e mercado

Mesmo sendo mal aceito por pessoas mais velhas, o gênero conquistou os jovens e é o mais pedido nas festas, até mesmo nas da elite — todo mundo quer curtir e dançar ao som da batida. 

O DJ Rennan da Penha foi preso em 2019 após acusações de um suposto envolvimento com o tráfico de drogas, quando apareceu conversando com o ex-governador fluminense Sérgio Cabral — condenado 22 vezes pela justiça do Rio de Janeiro, pena que soma mais de 400 anos de prisão. Rennan ficou em cárcere durante sete meses em duas prisões cariocas e foi solto após um recurso favorável do Supremo Tribunal Federal (STF) em relação à mudança de entendimento da prisão em segunda instância. Na época de sua soltura, a música ‘Hoje eu vou parar na Gaiola’, com participação de MC Livinho, foi hit em todo o país e logo o cantor assinou contrato com a gravadora Sony Music; foi indicado e premiado no Prêmio Multishow na categoria ‘Melhor Produtor’ com a música ‘Me Solta’; recebeu uma indicação ao Grammy Latino e gravou um DVD. Mesmo com as provas de inocência, o ‘Baile da Gaiola’ — evento idealizado pelo cantor — permanece proibido.

Em março de 2021, a Polícia Civil de São Paulo abriu uma investigação com direito a operação de busca e apreensão na casa de seis MCs, dentre eles grandes nomes do funk como MC Ryan SP, MC Brinquedo e MC Pedrinho. Mais uma vez, a polícia não obteve sucesso ao procurar ligações entre os artistas e o tráfico, não encontrando provas de financiamentos ou envolvimentos criminosos. 

A cantora Anitta, que recentemente desbancou diversos artistas internacionais e estacionou sua música ‘Envolver’ em primeiro lugar do Spotify Global, também tem sua origem no funk e mantém traços do gênero em seus shows e lançamentos. No seu show para o festival californiano Coachella, Anitta entrou na garupa de uma moto com um cenário simulando as favelas brasileiras e agradou o público internacional e a crítica especializada. Com o set em sucesso absoluto, repetiu a dose no Rock in Rio Lisboa, alegrando os fãs portugueses.

Anitta se apresentando no Rock in Rio Lisboa

O funk é inevitável e está em todos os lugares. A constante movimentação policial contra o gênero e seus artistas é a prova que mesmo chegando tão longe — e até ultrapassando as barreiras brasileiras e sendo reconhecido mundialmente —, o funk sempre será visto como criminoso e periférico. 

As letras são um reflexo da vida das pessoas […] para mudar as letras temos que mudar a realidade delas”, diz o senador e ex-jogador de futebol Romário em um de seus vídeos publicados no Twitter na época do PL 65.513/2017. Mesmo após cinco anos, essa declaração ainda possui peso sobre aqueles que sofrem preconceito judicial por frequentar bailes funk ou se envolver com o gênero na indústria musical.

Até onde a perseguição do funk é judicial ou se torna preconceituosa? A linha tênue se mostra cada dia menos sutil, tratando trabalhadores e admiradores da área como criminosos convictos e esbanjando a hostilidade da elite.

Para comemorar o Dia do funk e o poder que ele assegura, montamos uma playlist imperdível com grandes sucessos do gênero, confira aqui!

Hiatus do BTS: Relembre a carreira do grupo e entenda o que está acontecendo agora

Após o lançamento de seu álbum antológico Proof em comemoração aos nove anos do grupo no dia 10 de junho, o grupo BTS anunciou na última terça-feira (14) seu hiato durante a live de comemoração ao aniversário do grupo, chocando fãs e admiradores. Entre as diversas teorias, incluindo possível serviço militar obrigatório da Coreia do Sul e brigas com a gravadora, os integrantes reiteraram que a pausa é temporária para que cada um possa investir em sua carreira solo, sendo o álbum solo de J-Hope o primeiro na linha de lançamentos.

O BTS é um fenômeno global absoluto, quebrando barreiras antes só atravessadas por artistas norte americanos e europeus, o grupo surpreende com qualidade em seus trabalhos e números, colocando o pop coreano em patamares jamais alcançados, abrindo as portas do Ocidente para diversos outros grupos femininos e masculinos. 

A história do grupo começa em 2013, quando os também chamados de Bangtan Boys, ou Bangtan Sonyeondan em coreano, formado por sete rapazes: RM (김남준), Jin (김석진), SUGA (민윤기), J-Hope (정호석), Jimin (박지민), V (김태형) e Jungkook (전정국) lançou a música No More Dream, lead single do álbum 2 Cool 4 Skool. A música debutou em número #84 no Gaon Download Chart e fez sua primeira entrada no Billboard World Digital Songs, atingindo a posição #14 e charteando por três semanas consecutivas. O álbum de estreia 2 Cool 4 Skool atingiu a posição #5 no Gaon Weekly Album Chart e, mesmo um mês após o lançamento, se manteve na posição #10.

Clipe “No More Dream”

O sucesso carregado por quatro álbuns de estúdio, três de compilação, mais de 20 videoclipes e milhões de fãs fez com que o grupo agenciado pela Big Hit Music, uma subsidiária da HYBE Corporation conquistasse o primeiro lugar na lista Forbes Korea Power Celebrity em 2018, que classifica as celebridades mais poderosas e influentes da Coreia do Sul.

Segundo a revista Rolling Stones, é admirável o trabalho ativista dos meninos. Considerando a realidade sul coreana, a maioria dos artistas mantém suas opiniões políticas e sociais desvinculadas de sua imagem, por conta da fiscalização pesada de órgãos governamentais em relação a oposição de qualquer forma. Essa coragem ao desafiar convenções sociais fez com que o grupo decolasse ainda mais e se destacasse dos demais, os levando a carreira internacional.


[Foto:
Reprodução/ Big Hit Music]

Como dito anteriormente, o grupo BTS se destacou dentro do cenário coreano por sua coragem de posicionamentos contrários ao governo, talento e expertise em qualquer tarefa que lhes fosse dada. Todo esse destaque respingou no Ocidente, por volta de 2015, o single I Need U, do EP The Most Beautiful Moment in Life Pt. 1 alavancou a carreira do grupo pela América e Europa. A partir disso, tudo que os meninos lançaram foi de grande sucesso mundialmente, shows lotados, redes sociais bombando e fãs alucinados.

Seu primeiro #1 na Billboard 200 foi conquistado em 2016 com a canção Wings, o sucesso lhes rendeu um prêmio na categoria Prêmio Social de Artista Superior, do Billboard Music Awards, se tornando o primeiro artista coreano a ganhar uma estatueta do BBMAs.

E quem disse que BTS é apenas música? Em 2018, o grupo emplacou seu documentário Burn the Stage: The Movie nos cinemas de 79 países, mostrando os bastidores da turnê e alguns perfis com os integrantes. O longa arrecadou 14 milhões de dólares somente na primeira semana.

Em seu novo álbum antológico Proof, o grupo traz 48 canções, com 13 ainda a serem disponibilizadas pela gravadora em breve, divididas em três CDs com seus maiores sucessos. Há três músicas inéditas: Run BTS, Yet To Come e For Youth.

Apenas a prévia da faixa single Yet To Come quebrou recordes mundiais por ser o teaser de música mais rápido da história a chegar em um milhão de visualizações, em sete minutos. O clipe do single já acumula 90 milhões de visualizações no Youtube com menos de uma semana de seu lançamento, a própria definição de poder.

[Foto: Reprodução/ Big Hit Music]

Sob mudanças constantes mercadológicas, um dia após o anúncio de hiatus, nesta quarta-feira (15) as ações caíram 28%, atingindo menor patamar desde outubro de 2020, quando a HYBE abriu o capital da gravadora para investimentos na Bolsa de Valores de Seul.“O grupo permanecerá ativo como uma equipe enquanto faz uma jornada individual para alcançar ainda mais o crescimento pessoal” afirmou representante da HYBE em nota enviada ao jornal O Globo.

A abertura de capital do grupo na Bolsa de Valores de Seul aumentou exponencialmente os lucros da companhia HYBE durante a pandemia, sendo o BTS responsável por cerca de 47% da receita anual da corporação, mesmo com número reduzido – quase nulo – de shows e lançamentos. A bola de neve vem se formando conforme novas informações surgem, no início do ano perdeu 60% do valor conquistado em 2021 e, com o anúncio da pausa, as ações despencaram.

Desde sua estreia, o grupo revoluciona e muda a percepção mundial sobre o pop coreano, correndo e quebrando recordes a todo momento. A sigla BTS é um acrônimo para Beyond The Scene (Além da cena, em português), o que resta aos fãs é ter esperança sobre o que aconteceu por trás dos bastidores, e confiar que um dia o grupo retornará tão forte quanto é atualmente!

Da tatuagem de Anitta a dinheiro desviado: Entenda a ‘CPI do Sertanejo’

Nas últimas semanas a chamada ‘CPI do Sertanejo’ virou alvo do ministério público ao investigar o superfaturamento dos shows de sertanejos, como Gusttavo Lima. 

Em resumo, esta investigação se baseia em apurar um suposto envolvimento de cantores do gênero no desvio de verbas públicas para pagar cachês milionários. Porém, a forma pela qual tudo isso começou é um tanto curiosa.

O pontapé inicial foi quando Zé Neto, da dupla Zé Neto e Cristiano, criticou a Lei Rouanet – uma lei de incentivo fiscal à cultura – utilizando a Anitta e sua tatuagem íntima como exemplo. 

“Nós somos artistas que não dependemos da Lei Rouanet, nosso cachê quem paga é o povo”, disse o cantor. “A gente não precisa fazer tatuagem no ‘toba’ para mostrar se a gente tá bem ou não”, disse o cantor durante um show em Mato Grosso do Sul.

Este evento, que no caso, foi realizado com uma verba de R$400 mil, advinda dos cofres públicos. O comentário do cantor fez com que a imprensa local começasse a apurar o cachê dos sertanejos universitários e a partir deste ponto que muitas acusações passaram a vir à tona.

[Imagem: Reprodução/EM OFF]

A investigação saiu do estado de Mato Grosso do Sul e se tornou um mote maior quando envolveu o nome de Gusttavo Lima – um dos nomes mais influentes do sertanejo universitário. 

O cantor teria recebido da prefeitura de Teolândia, interior da Bahia, um valor correspondente a R$704 mil. A polêmica surgiu quando foi descoberto que a cidade negou auxílio para socorrer afetados por uma forte enchente que assolou a cidade e deixou milhares de desabrigados, e foi investida no show do artista, com a justificativa de que era o sonho da prefeita da cidade conhecê-lo.

Esse escândalo abriu margem para novas descobertas. Após a crítica à Lei Rouanet, foi descoberto que existem sertanejos que recebem quase quatro vezes mais do que é estabelecido – como o caso de Gusttavo Lima.

Além do ‘Embaixador’, Figueirópolis D’Oeste, distante 319 quilômetros de Cuiabá, também se tornou um dos alvos. Os shows das duplas Thaeme & Thiago e Jads & Jadson foram cancelados após descobrir que eles receberam um desvio de verba pública estimado em cerca de  R$182 mil e R$193 mil para pagar seus cachês.

Além dos estados citados, outros entraram na lista de investigações, sendo eles:  Minas Gerais, Mato Grosso, Rio de Janeiro, Bahia, Roraima e Rio Grande do Norte. As somas dos cachês totais beira – em média, os R$6 milhões.

Recentemente, um outro escândalo envolvendo Gusttavo Lima surgiu – desta vez no Rio de Janeiro. O artista se apresentaria em Magé e receberia cerca de R$1 milhão – quase 450% do que  valor recebido por Belo e Falcão, que também estavam na line-up no evento.

Na última segunda-feira de maio, no dia 30, o artista realizou uma live em seu Instagram para rebater estas acusações polêmicas.

Na ocasião, falou sobre polêmicas envolvendo os shows citados, e outros casos em cidades de estados como Minas Gerais, todos eles que estariam supostamente sendo financiados por dinheiro público, que na realidade, deveria ser direcionado para população.

Gusttavo destacou que “não é porque são apresentações feitas pela prefeitura que ele deixará de cobrar seu valor típico”, alegando ainda que “esta seria sua forma de sustento”.

“Eu vivo disso, eu me alimento através disso, eu coloco comida na mesa dos meus colaboradores, da minha família através do meu trabalho – independente se seja show público ou show privado. O meu valor é um e ele não vai mudar, entende?”, questionou durante a live.

Ainda destacou que não considera que tenha se beneficiado de dinheiro público e que se dispõe a prestar eventuais pendências à justiça caso seja necessário.

“Eu nunca me beneficiei de dinheiro público ou empréstimo de tal coisa ou algo do tipo. A minha vida foi sempre trabalhar. […] Então assim, eu não compactuo com dinheiro público. Tudo que eu tenho foi ralado com muito suor, foi trabalho pra caramba, sabe? A minha vida é cantar. Se eu tenho uma casa boa pra morar, vocês podem ter certeza que saiu da minha garganta”, ressaltou.

Em meio a lágrimas, o cantor disse que considerou desistir de toda sua carreira após as acusações.

Porém, um fato curioso chamou atenção. O estopim deste problema toda, Zé Neto, apareceu durante a transmissão e realizou certos comentários que chamaram atenção.

[Imagem: Reprodução/Instagram]

O sertanejo invadiu os comentários da live e afirmou que Gusttavo Lima deveria ficar tranquilo e “jogar a responsabilidade para ele” – uma vez que ele foi um dos grandes causadores deste problema. 

“Cara, quem tem que dar satisfação sou eu. Irmão, estou atravessando uma fase ruim, sou seu irmão. Não precisa se explicar de nada. Joga para mim, irmão. Não tem nada a ver com você“, disse.

Acontece que o motivo da crítica de Zé Neto a Lei Rounaet e tudo isso foi ocasionado pelo fato do cantor ser assumidamente de direita – falando em posição política. Sua questão, desde o princípio, era “dar a entender” que seus colegas de profissão, assim como ele, não precisavam de nenhuma ajuda do governo para manter seus shows e fazer sucesso. Porém, o que realmente se mostrou foi o oposto. A ajuda do governo sempre existiu, porém neste escândalo, de forma ilegal e corrupta.

Um show de Gusttavo Lima em dezembro, que aconteceria na cidade de São Luiz, em Roraima, também foi cancelado. De acordo com a Billboard, o contrato de Lima beirava 77% do orçamento anual da cidade que era destinado à compra de merendas escolares. 

Porém, um dos nomes causadores disso tudo até a última semana ainda não havia se manifestado: Anitta.

Uma simples tatuagem escancarou todo um esquema de corrupção no meio do sertanejo universitário.

Em entrevista ao Fantástico, jornal que é transmitido aos domingos na TV Globo, a cantora se manifestou em entrevista sobre tudo o que estava acontecendo. A cantora justificou que não entendeu porque sua tatuagem gerou tanta polêmica. Para ela, era somente um momento em que estava se divertindo com seus amigos e não imaginava toda esta repercussão.

Para a surpresa de Zé Neto, Anitta afirmou que nunca fez uso da Lei Rouanet.

“Meu irmão é que cuida para mim das coisas. Eu liguei para o meu irmão e para o meu outro sócio Daniel e falei: ‘Gente, eu já usei essa lei, porque eu nem lembro’. Ele falou: ‘Não'”, conta Anitta.

A artista ainda revelou que já havia recebido propostas parecidas, mas que nunca aceitou e nem queria se envolver com esquemas assim. 

“A gente que é da música sempre soube que isso existia. Já recebi propostas, eu e o meu irmão. ‘Você cobra tanto, aí eu vou pega um pedaço’. Eu sempre falei, não, Renan, o meu cachê é meu cachê. Na época era 100 e poucos, mas aí ele vai dar mais um pouco, se você declarar que recebeu não sei quanto. E eu: querido, meu cachê é esse. Quer assim? Não quer assim? Como a gente começou a nossa empresa do nada a gente está sempre contratando auditoria, porque a gente está sempre com medo de fazer algo por falta de conhecimento”, contou Anitta em entrevista.

Com tudo isso, em alguns estados do país, a justiça já determinou um cachê fixo que pode ser pago com verba pública para shows e eventos. A Câmara dos Deputados, por sua vez, aprovou que fará uma audiência pública para a investigação do caso.

O comunicado foi divulgado na última quarta-feira (8) por um requerimento do deputado Alexandre Padilha (PT-SP). A ideia principal do parlamentar é dar atenção a casos que envolvem contratações de sertanejos por prefeituras. 

[Crítica] ‘Twelve Carat Toothache’ mostra os altos e baixos de Post Malone

Na última sexta-feira (03), foi lançado o quarto álbum de estúdio do rapper Post Malone, intitulado Twelve Carat Toothache. O projeto conta com 14 faixas e participações especiais de Roddy Ricch, Doja Cat, Gunna, Fleet Foxes, The Kid LAROI e The Weeknd

Após três anos do seu último disco, Hollywood’s Bleeding, Malone volta com o álbum mais curto de sua carreira, mas nas palavras do mesmo, com menos faixas fillers que podem ser encontradas em seus projetos anteriores. Em entrevista à revista Billboard, o rapper afirma que as novas músicas falam mais sobre como ele está se sentindo no momento. “É sobre os altos e baixos, a desordem e essa bipolaridade de ser um artista hoje no mainstream”, conta Malone.

O disco conta com 8 produtores principais, Andrew Bolooki, Brian Lee, Charlie Handsome, Jasper Harris, Louis Bell, Omer Fedi, Watt e o próprio Post Malone. A masterização é feita por Mike Bozzi e a mixagem é assinada por Louis Bell e Manny Marroquin.

Capa e tracklist do álbum Twelve Carat Toothache. [Imagens: Reprodução/Genius]

A primeira faixa do disco é Reputation, sendo a música mais melancólica e que tem como elementos principais o piano acompanhado dos vocais de Malone. A canção que introduz o projeto discute sobre a reputação do rapper e, principalmente, sua relação com a fama. 

Em versos como “You’re the superstar, entertain us” (Você é o superstar, nós entretenha; em português), não fica claro se ao longo da música o desabafo é para os seus fãs ou um antigo amor. Mas mesmo assim, é possível ver que ele coloca toda a sua vulnerabilidade na música e acerta o tom para o resto do disco. 

Seguimos com Cooped Up com participação de Roddy Ricch, lançado como segundo single do álbum. A faixa mais hip-hop com refrão viciante segue o tema da fama e como o rapper se sente engaiolado nessa situação. Post Malone e Roddy Ricch já trabalharam anteriormente no remix da música Wow. Em Cooped Up, o verso de Roddy não impressiona, deixando o destaque para o refrão e ponte cantados por Post. 

A música atingiu a posição 29 em sua estréia na parada musical Billboard Hot 100 e permaneceu somente duas semanas no chart. O videoclipe de Cooped Up foi lançado em maio desse ano e tem como espaço principal apenas um cômodo em que Post Malone canta seus versos, evidenciando a ideia de se sentir enclausurado em sua vida de superstar.

A terceira música do disco é Lemon Tree, outra faixa mais vulnerável do artista. Acompanhada de violão, o rapper discute com a vida a falta de sorte que parece estar enfrentando. Nos trechos “Life is pretty sweet, I’m told; I guess I’m shit outta luck, growin’ a lemon tree” (A vida é bem doce, me disseram; Acho que estou sem sorte, cultivando um limoeiro, em português), Malone brinca com a ideia de como a vida deveria ser doce para ele, mas ultimamente ele se sente com a vida bem azeda.

Wrapped Around Your Finger é a quarta faixa com elementos mais pop e animados do disco. Nela o artista admite como estava completamente envolvido em um relacionamento do passado e expõe toda sua personalidade de apaixonado. Seguindo o álbum, passamos para I Like You (A Happier Song) com participação de Doja Cat

A música como diz o título é bem animada e com uma batida contagiante, e a repetição do refrão “I like You, I do” é daqueles de ficar grudado na cabeça por dias. A dinâmica dos dois artistas na música é bem legal, com cada um cantando de sua perspectiva nesse possível relacionamento apaixonado. I Like You (A Happier Song) começou a ser promovida nas rádios, seguido do lançamento do disco, e se caracteriza como o terceiro single da era.

A sexta faixa de Twelve Carat Toothache é I Cannot Be (A Sadder Song) com participação do rapper Gunna. A música que representa o oposto da anterior, fala sobre um relacionamento que a outra pessoa está atrasando e segurando o artista de maneira negativa. Apesar da letra mais triste, a faixa é um hip-hop animado com a cara do Post Malone.

Seguimos com Insane, a canção com orientações mais trap do projeto e que tem grandes chances de virar o próximo single. Nela o rapper rima sobre dinheiro e mulheres sem maiores preocupações em cima de uma batida rápida e viciante.

Love/Hate Letter To Alcohol é a oitava faixa do álbum e conta com a participação da banda Fleet Foxes. A música se inicia com um coro de vozes e como diz o título se desenrola em um desabafo da relação de amor e ódio com o álcool. Nela fica explícito os problemas que o artista tem com a bebida, mas essa ainda é a sua forma de encarar a tristeza. Em sua participação no Saturday Night Live em maio deste ano, a faixa ganhou sua primeira apresentação ao vivo.

Já a nona música do projeto é Wasting Angels com The Kid LAROI, a faixa mais lenta e com orientações pop, coloca os dois artistas para discutir a relação com a fama e reputação. Vale destacar como Malone e LAROI possuem similaridades vocais, fazendo até ouvintes atentos se questionarem quais são de fato os versos de cada um.

O álbum continua então com Euthanasia, que conta com o sample da música de 2003, Pink & Blue do OutKast. A faixa que faz uma referência clara a eutanásia, prática médica que consiste em abreviar a vida de um paciente em estado terminal ou que esteja sujeito a dores e intoleráveis sofrimentos físicos ou psíquicos. Em uma das músicas mais sombrias do projeto, Malone então fala sobre a ideia de sua própria morte e fantasia sobre uma morte indolor em que possa encontrar um coro de anjos.

When I’m Alone é a décima faixa do Twelve Carat Toothache, com a batida rápida da bateria acompanhada de guitarra e voz, essa música mistura pop e rock ao mesmo tempo. When I’m Alone então abre espaço para o rapper falar sobre sua infidelidade em um relacionamento anterior.

[Imagem: Reprodução/Billboard]

Depois de uma faixa mais animada, Post volta a uma música mais lenta e introspectiva. Waiting For A Miracle é novamente uma das canções que discute a morte de alguma maneira, seja no verso “And everything done for the dead after they’re dead, is for the living” (E tudo que é feito para os mortos após eles estarem mortos, é para os vivos; em português) ou quando fala sobre suicídio.

Mudando totalmente de estilo, a penúltima música do álbum, One Right Now, conta com a participação de The Weeknd. Lançada como primeiro single do projeto ainda em 2021, a canção tem clara influência do pop dos anos 80 com uso de sintetizadores. A faixa tem relação com os trabalhos mais recentes de The Weeknd, mas não necessariamente se encaixa no disco de Malone. One Right Now estreou na sexta posição na Billboard Hot 100 e ganhou um videoclipe no mesmo mês de lançamento.

O álbum encerra com New Recording 12, Jan 3 2020, uma gravação caseira e demo de parte da letra de Euthanasia. No áudio de 1 minuto e meio, é possível ouvir Malone cantando somente acompanhado de seu violão. Essa maneira de terminar o projeto com uma demo, evidencia que essas músicas mais sombrias e reflexivas do artista, foram de pensamentos recorrentes de Post Malone nos últimos anos.

Em relação a crítica especializada, o site metacritic atribuiu nota 66 ao álbum baseado em apenas seis reviews. Com maioria de resenhas positivas, as revistas Rolling Stone e NME destacam o sucesso do artista em compartilhar sua verdade, em um disco mais reflexivo que segue com a cara do artista.

Twelve Carat Toothache estreou no Spotify com mais de 30 milhões de streams e em comparação com seu antecessor Hollywood’s Bleeding, que fez 74 milhões em seu primeiro dia, o número parece desapontar. Já em relação às projeções de venda, a Hits Daily Double previu cerca de 115,000 a 130,000 mil unidades vendidas, quantidade também inferior ao disco anterior, mas que pode dar a possibilidade do terceiro número 1 de Post Malone na Billboard 200.

De fato, o lançamento de Twelve Carat Toothache não foi cercado de muita promoção e singles que fizessem muito barulho como os trabalhos anteriores de Malone. O projeto também sofreu alguns adiamentos, Post anunciou que estava trabalhando em um álbum novo durante live tributo a banda Nirvana ainda em 2020 e em 2021 seu empresário chegou a postar no Instagram que talvez teria dois discos do rapper naquele ano. Infelizmente, nenhum novo projeto ganhou um anúncio e em julho de 2021, o single Motley Crew foi lançado, mas a música não faz parte de Twelve Carat Toothache.

A menor quantidade de faixas é um fator que pode prejudicar o número de streams do disco, mas como citado anteriormente, a escolha do rapper foi selecionar o que considerava as melhores músicas para a edição final. O álbum foi claramente pensado como um todo, desde as temáticas das músicas que se cruzam a todo momento até as transições entre as faixas.

Twelve Carat Toothache talvez seja um dos discos mais tristes da carreira de Post Malone, nele é possível ver que mesmo após o sucesso do artista, ele prefere evidenciar seu sofrimento, vícios, problemas com drogas e álcool, e a relação ambígua com a fama. Para os fãs do rapper, o álbum provavelmente não decepcione, pois apesar dos assuntos mais sombrios, não se afasta da essência musical de Malone.

Cópia física do álbum novo de Post Malone. [Imagem: Reprodução/UMusic]

O destaque de Twelve Carat Toothache ainda vai para as faixas mais energéticas como Love/Hate Letter To Alcohol, Insane, Cooped Up e I Like You (A Happier Song), deixando algumas outras participações e músicas solos mais esquecidas. Pelas especulações e críticas, talvez o projeto não seja um grande sucesso nas paradas musicais e número de streams, mas essa não parece ter sido a intenção do artista.

Depois de algumas eras anteriores bem sucedidas e várias aparições no topo das paradas, Post Malone fez seu comeback inspirado em um relato super honesto sobre seus sentimentos e impressões sobre sua vida atual. Para isso, Twelve Carat Toothache cumpre seu papel e vale a pena pelo seu poder de reflexão. E o trabalho mais curto talvez indique que essa seja apenas uma das partes iniciais de seus lançamentos futuros.

[CRÍTICA] Harry Styles mostra estabilidade ao acertar mais uma vez com Harry’s House

De uma coisa, todos que estão por dentro do mundo fervoroso das celebridades sabem: Harry Styles esbanja carisma. Como se tivesse nascido para estar nos maiores palcos do mundo com suas roupas brilhantes e nenhuma preocupação além de falar o que sente e pensa através das músicas, ele se tornou um dos membros de maior sucesso desde o fim da boy band One Direction, da qual fez parte entre 2010 e 2015.

Na terceira semana de maio (20), Styles lançou Harry’s House, seu terceiro álbum de estúdio, com a proposta de convidar à sua casa quem quiser conhecê-lo.

Desde o hiato do grupo, ele se consolidou na indústria pop, começando por seu álbum de estreia self-titled carregado de pop rock, Harry Styles (2017), responsável pelo single de sucesso Signal Of The Times. Como uma prova de sua consistência e ousadia, lançou-se à criatividade e à experimentação com Fine Line (2019), um estouro pop por todo o globo com singles como Watermelon Sugar, Adore You e Golden.

Apesar da última era de Harry ter sido marcante, a mais nova trazida pelo artista promete muito, mas será que cumpre? Produzido por Kid Harpoon, Tyler Johnson e Samuel Witte, o álbum apresenta uma gama de canções acústicas interessantes, mas é dominado por um pop oitentista que, ainda que não tenha sido feito de maneira original, tem uma sonoridade interessante juntamente às composições do cantor.

Ao fugir, em grande parte, do escopo do que trouxe anteriormente, o artista inovou dentro de sua discografia e ganhou aclamação da crítica, com nota 84 pela média de 25 críticas no Metacritic. A relevante New Music Express (NME), ainda, destaca esse como o melhor álbum de Styles. Dentre as críticas positivas, estão comentários de Rolling Stones, The Guardian e Los Angeles Times, apesar da avaliação mediana do New York Times.

Como uma espécie de convite, o lead single escolhido foi As It Was, faixa quatro do disco. Ela exprime alguma angústia em relação ao passado e traz aquela coisa íntima de cuidado com os detalhes. De todas as canções, essa é a que melhor introduz o propósito de Harry’s House como um álbum intimista — uma possibilidade de conhecer o mundo do astro. Um artifício que pontua com ainda mais ênfase a pessoalidade da composição é a introdução marcada pela voz de Ruby Winston, filha de cinco anos do produtor Ben Winston e afilhada de Harry, com quem confessou falar todas as noites.

A faixa de abertura é um eletropop cheio de energia: Music For a Sushi Restaurant. Utilizando até mesmo o recurso auditivo da estereofonia  — uma produção sonora que possibilita, por exemplo, ouvir um instrumento em apenas um lado do fone — para criar a imersão do ouvinte na atmosfera envolvente do álbum. É dançante e divertida, exatamente como a música seguinte, Late Night Talking — já performada no Coachella 2022. Ambas não têm uma riqueza lírica na composição e, por serem até um pouco superficiais nesse sentido, podem frustrar a princípio ao considerar que o single de promoção do álbum é contrário nesse ponto, pois revela uma face real de Harry. De qualquer forma, elas não deixam de fortalecer um clima aconchegante que remete a estar numa festa em casa, dançando com os amigos.

Grapejuice, por outro lado, é receptiva. É envolvente, instigante e soa como uma ponte, em relação à sonoridade, entre seu disco de estreia e Harry’s House com a combinação de sua fase new wave e o pop rock de músicas como Two Ghosts (2019). O uso das banalidades — de momentos pequenos e rotineiros — demarcam a inserção nesse ambiente hospitaleiro de amor e recordação a partir de um narrador e seus devaneios ao longo da letra.

Como as duas primeiras canções, Daylight tem uma batida envolvente e que facilmente fixa na cabeça. A seguir, o ritmo começa a desacelerar e se tornar consideravelmente menos dançante com a presença dupla mais melancólica do álbum: Little Freak e Matilda. Na primeira, o artista utiliza um artifício de enriquecimento à música a partir da adição de camadas com instrumentos a mais a cada vez que o refrão se repete. Assim, esse crescimento eleva a sensação do público quando vai evoluindo juntamente à construção desse cenário de conforto.

Matilda segue a mesma linha de sua antecessora e tem como inspiração o livro infantil homônimo de Roald Dahl, como comentou Harry em entrevista à Apple Music. A história da obra ganhou maior notoriedade com a adaptação cinematográfica de 1997, também homônima, responsável por marcar gerações como as que mais ouvem o cantor britânico. Ainda, comentou sobre como seu objetivo era se mostrar como alguém disposto a ouvir, o que parece ter sido muito bem realizado ao considerar a comoção gerada pela música nas redes.

Sem tempo para respirar após o baque, Cinema chega com mais eletropop dançante para levantar a poeira. A faixa, apesar de trazer versos mais repetitivos, tem um enorme potencial para single pela simplicidade de sua composição e a energia de um sucesso digno de Harry Styles, assim como Daydreaming, faixa nove. Divertida e romântica, essa se mostra a com o maior potencial comercial pelas batidas marcadas, os versos também simplórios e suas confissões amorosas. Ela segue a mesma linha de alguns dos principais singles da carreira — Adore You, Lights Up

Keep Driving com sua ponte alucinante que certamente conta uma intensa história antecede uma nova descida que já encaminha para as faixas finais. Satellite começa com aquela mesma sonoridade apresentada pelo disco, mas no minuto final toma um formato robusto mais aprofundado que a torna ainda mais interessante, dinâmica e cheia de personalidade.

Boyfriends, também já performada no Coachella 2022 juntamente a Late Night Talking na apresentação de Styles como headliner, é um acústico sereno. Uma espécie de carta aberta sobre relacionamentos disfuncionais cujas tensões são ocasionadas pela parte masculina, é como se sentar diante de Harry na sala de sua casa e ouvi-lo, apenas voz e violão, dar conselhos indispensáveis.

[Imagem: Divulgação]

Para encerrar, a atmosfera é serena e doce com Love Of My Life, uma genuína declaração amorosa carregada de angústia e recordações dolorosas. No verso “eu me me lembro lá na casa do Jonny, nada mais é como era”, encerra-se o ciclo aberto pelo lançamento de As It Was como o lead single que serviu como o convite à sua casa. A faixa finaliza fazendo jus à aventura proposta pelo álbum e ameniza esse labirinto de emoções.

Harry Styles se mostrou mais experimental e ousado em Fine Line, quando saiu consideravelmente da zona de conforto que criou com seu álbum de estreia – que, apesar de bom, é tímido quando se compreende a potência da voz artística do cantor. Com muita personalidade e audácia, usou o segundo para explorar sua mais recente liberdade criativa. Com Harry’s House, para a indústria, não há nenhuma revolução significativa e a gama de canções com composições previsíveis pode até mesmo soar menos original que o que já foi produzido por ele em tempos remotos, quando pareceu se mostrar mais como artista e indivíduo que agora, quando formalizou tal convite.

Apesar de todas as oposições, Harry’s House pode ser melhor definido como o álbum mais divertido e dançante de Harry, ao mesmo que traz canções desoladoras e inesquecíveis. A experiência geral baseada na premissa também pode variar conforme o grau de proximidade com a arte do cantor, mas o que não pode deixar de ser dito é: esse é um ótimo disco que mantém o lugar do britânico no pódio da música mundial e demarca como seu talento e criatividade são grandes ganhos para as novas gerações.

[Crítica] Dance Fever, de Florence + The Machine é um grito segurado há muito tempo

O quinto álbum da união entre Florence Welch e a banda The Machine está entre nós. O álbum foi muito esperado após o hiatus de 4 anos da banda inglesa indie rock desde o álbum High As Hope, de 2018. Lançado no dia 13 de maio, pela gravadora Polydor Records, as 14 faixas foram produzidas por Jack Antonoff, que fez parte de trabalhos recentes de Lana del Rey e Taylor Swift, e Dave Bayley, vocalista do grupo Glass Animals. Dance Fever é ensurdecedor, é notável o desespero e a vontade de se livrar dessas palavras e sentimentos, colocando para fora todas as emoções comprimidas em uma explosão de experiências instrumentais.

E quando é bom, é impossível não ser notado. A rainha das bruxas emplacou notas altíssimas e elogios da crítica, com nota 7.1 na Pitchfork, 9,4 dos usuários e 85 no Metacritic, o álbum vem para mostrar outros segmentos musicais da banda. Por mais que seja similar ao que foi entregue anteriormente, o novo trabalho revitaliza e traz novos elementos que tiram qualquer um – inclusive o grupo – de sua zona de conforto. Guitarras fortes substituem o tradicional piano e o uso de diferentes tons da voz de Florence são muito bem explorados.

O álbum – que foi escrito durante a pandemia – traz conflitos sobre imagem pública, a necessidade de estar em alta, o papel da mulher na sociedade (principalmente a obrigação patriarcal de se tornar mãe, esposa e dona de casa) e sentimentos sombrios e individuais. A narrativa de repressão divina sobre injustiça sobre os humanos e poder te deixa em dúvida sobre os reais sentimentos da artista, mas esta indecisão é uma forma honesta de mostrar ao seu público como funciona a mente humana, todos temos conflitos, isso não nos torna confusos, nos torna sujeitos, pessoas reais.

Artistas costumam ser desumanizados e até objetificados pela fama, mas continuam motivados pelo gosto pela profissão e pela música, sua arte. Dance Fever mostra a febre de dançar conforme seus sentimentos, mesmo não os entendendo, representado por uma linguagem poética, que aborda a luxúria, solidão, tristeza e medo em meio a acontecimentos que não somos capazes de controlar, como a pandemia e as ações divinas.

Essa febre de dançar vem do conceito de coreomania. Também chamado de dançonomia, foi um fenômeno social que ocorreu na Europa da Idade Média, tendo seu primeiro acontecimento em grande escala em Aquisgrano, na Alemanha, em 24 de junho de 1374. Rapidamente se alastrou pela Europa, contatando outros ataques nos Países Baixos, colônias, Metz e mais tarde em Estrasburgo, aparentemente na trilha de rotas de peregrinação entre os séculos XIV e XVIII.

Esse fenômeno consistia em grupos de pessoas, chegando até a centenas de uma só vez, que dançavam de forma ininterrupta e incontrolável publicamente até o cansaço extremo. Eles continuavam se movendo, mesmo exaustos e alucinando até espumar pela boca e desmaiar de cansaço. Por mais sombrio e bizarro que seja, é essa a sensação trazida pelo álbum, sentimento de urgência, sofrimento e descontentamento.

[Imagem: Divulgação]

Passando para as músicas, “King” abre o álbum exalando poder. Com instrumentais marcantes e estridentes, a faixa descreve um relacionamento em que o cônjuge quer ser superior à mulher, engrandecendo seus feitos e sempre agindo com seu “coração apodrecido”, acredita que a mulher deve ter filhos, se demonstrar sempre feliz e esconder sua ambição, a manipulando até que ela achasse que deveria acreditar nessa construção patriarcal.

A mulher, em contrapartida, rebate esse pensamento com afirmações de individualidade, descrevendo que sua personalidade é sombria, que o drama, mitologia e grandiosidade fazem parte dela. O refrão diz o que muitas mulheres gostariam de gritar, ela não é mãe, nem esposa, ela reina sobre si mesma e sua vida. É possível sentir a voz se tornando mais fraca e inquieta com o decorrer da música, demonstrando a dor real da composição.

Em ritmo mais acelerado e eclético, a segunda faixa “Free” traz a luta com doenças psicológicas, como essa condição toma poder sobre a pessoa todos os dias e o tempo todo, derrubando qualquer outro sentimento senão o de angústia, que talvez seria melhor estar sedada o tempo todo para não sentir essa avalanche constante. Também traz o drama de possuir essa condição e não ser respeitada por outros que estão ao redor, “’You’re too sensitive’, they said” (Eles dizem: “Você é muito sensível”, em português) é um trecho que ilustra perfeitamente a afirmação anterior. 

A música é quem libera a pessoa dessa angústia, pois quando sente o ritmo e dança conforme a música se sente livre, mas demonstra a indignação dessa ser a realidade, de não haver cura para sua doença “It is what it is” (é o que é, em português) e não tem como resolver.

Choreomania”, faixa intitulada a partir do fenômeno explicado anteriormente, traz um ritmo mais leve e jovial. Com um batuque constante e rápido, que lembra o tic toc de um relógio, começa como um desabafo sobre autoconhecimento. É possível interpretar que a batida no fundo se relaciona ao tempo passando e a jornada de busca a si mesmo traz indignação e pressa para conquistas que ainda não aconteceram e histórias que deveriam ser contadas, mas não foram vividas, com vozes que a pressionam a fazer escolhas e viver de maneira diferente. Como tudo é temporário, os padrões se tornam inúteis, pois podem mudar a partir da percepção de cada um dependendo do tempo em que estão vivendo e sua realidade.

A quarta faixa “Back in Town” é nostálgica, demonstra a intensidade das emoções ao retornar a sua cidade natal, viver no próprio mundo sem metas definidas, vivendo todos os dias sem perspectivas, a vida muda, mas o passado continua igual. Retornando a momentos de sua infância para reviver aquela felicidade, acabou ficando pela tristeza da nostalgia do passado. Relembrar momentos mais fáceis que não voltam mais e lidar com a mudança de sentimento e perspectiva sobre os acontecimentos, acreditou em algo por anos, mas, ao se lembrar, percebeu mais madura que não foi bem assim.

Em “Girls Against God” é retratada a insatisfação do tratamento divino com mulheres, o medo, as emoções à flor da pele, a passividade imposta desde a infância, ser tratada como pequenos animais de estimação e nunca como figuras de poder. Essa injustiça leva mulheres a se colocarem no lugar que o divino não as colocou e lutar por sua posição e reconhecimento.

Há uma reviravolta no último trecho da música, quando acontece uma troca de melodia para uma mais maléfica, com gargalhadas e som de passos, trazendo uma estética de terror, e afirma que como Deus não quis um acordo, ela conheceu o diabo e ele a prometeu um coração de ouro ou uma voz de ouro, deixando aberto para interpretações de que ela escolheu a voz, uma vez que suas músicas trazem melancolia e tristeza. Reforçou o canto da bruxa depois dessa!

Dream Girl Evil” fecha a primeira parte do álbum com um amor platônico, há alguém apaixonado pela versão dela que criou em sua cabeça e não quem ela realmente é. Ele a imagina como uma menina angelical e tradicional, embora ela seja assumidamente “evil” (má, em português), o que desapontou suas expectativas, mas ela não liga, até gosta da admiração, ela não é mãe de ninguém e não deve nada a esse homem, mesmo que ele queira que ela seja, ela não se desfaz da própria personalidade má por ninguém. Deu um fecho no macho que doeu daqui!

A intro “Prayer Factory” traz a resolução de abraçar seus medos e lutos, mas não aguenta mais a pressão de viver angustiada, precisa que alguém lhe dê uma chance, e talvez isso a tire dessa solidão e tristeza.

[Imagem: Twitter]

A faixa “Cassandra” fala sobre sonhos interrompidos, o futuro que foi lapidado desrespeitando suas próprias vontades, viver a vida que ela não quer, todas as pessoas criativas e artistas (representadas na música como “all the gods”, ou todos os deuses em português) foram domesticados e sua liberdade de escolha e expressão foi tirada. Tudo está sendo manipulado cegamente e o que ela conhecia não é mais o mesmo ou autorizado, censurando a liberdade de pessoas artísticas diminuídas a meras tarefas comuns.

Heaven is Here” é outra música de menos de 2 minutos que se difere das demais em questões rítmicas. Começando com um grito que lembra uma marcha, uma possível interpretação é que o céu está aqui pois ela é uma santidade e deixou o mundo desse jeito, por conta de sua melancolia.

Chegando a décima faixa intitulada “Daffodil”, a banda traz algo ainda mais diferente da sequência anterior. Ela é a escolhida divina, mesmo não sendo totalmente boa, ela possui poderes míticos e absorve a dor para tentar deixar o mundo melhor, mesmo sabendo que o futuro não é brilhante nem contente.

My Love” é o single absoluto do álbum. Com ritmo mais animado e leve, após tanta melancolia e solidão ela busca a salvação e felicidade, amor. O problema que encontra é não ter onde disseminar esse amor, não ter com quem compartilhar sua vida e sua felicidade.

Clipe “My Love” de Florence + The Machine

Em outra intro, a faixa “Restraint” possui apenas dois versos cantados em um tom de voz que divide opiniões, mais parecendo um arroto, sinceramente. Os versos abrem a interpretação que talvez as músicas esperançosas anteriores eram mentira, e ela estava perguntando se aprendeu a se limitar, se passou credibilidade posando de boazinha, não demonstrar suas emoções reais era o que tinha que ser feito. Confira os versos abaixo:

 “And have I learned restraint? Am I quiet enough for you yet?” 

(Eu já aprendi a contenção? Já estou quieta o suficiente para você?)

Depois do baque emocional da música anterior, quem procede é “The Bomb”, trazendo a temática de um amor que não aconteceu por briga de ego. Ambos gostam do que é difícil, pois se fosse fácil não seria tão interessante, ela sabe que não o ama, apenas gosta da bomba de sentimentos que a causa. O fato de não ter dado certo foi por conta da demonstração mínima de vulnerabilidade por parte dela, que o afastou. 

A música termina com um dos versos mais marcantes do álbum, “Sometimes you get the good, sometimes you get a song”, às vezes você tem um relacionamento bem sucedido, e às vezes você consegue mais uma música, no sentido triste e melancólico. É para pegar em qualquer recém solteiro.

Fechando a narrativa e a obra de arte, o álbum termina com “Morning Elvis”. O peso do mundo e a reação dela sobre os acontecimentos, pressão psicológica, pensamentos suicidas, fama desenfreada, depressão e tristeza que a trazem dores físicas. Ela pensa em desistir da música, mas a vontade de cantar é mais forte que ela, se poupa da dor da morte em troca de continuar cantando.

[Imagem: Pinterest]

O álbum como um todo traz muita reflexão, são emoções que muitos guardam dentro de si e Florence Welch gritou para quem quiser ouvir. A descoberta de sentimentos e o poder de colocá-los para fora torna a obra gigantesca, a novidade não somente na honestidade, mas melodicamente, a volta das guitarras fortes e diferentes tons de voz utilizados justamente para gerar incômodo, pois todo o sentimento trazido na letra é desconfortável.

Florence + The Machine é inigualável, não são músicas para escutar no caminho do trabalho ou no carro (a não ser em um dia de frio e melancólico, assim talvez encaixe com a vibe do momento), são para sentir e gritar sozinho em casa. Dance Fever é um monumento, que vem para reconstruir o cenário indie rock, que vive no mesmo tom há muito tempo.

[Crítica] ‘Mr. Morale & the Big Steppers’ é um patrimônio histórico feito por Kendrick Lamar

Mais do que um álbum, Mr. Morale & the Big Steppers é um conceito. Além das faixas, a mais nova composição de Kendrick Lamar, em hiato desde 2017, traz uma viagem ao seu lírico interno. Com 18 faixas, o disco se torna uma espécie de diálogo com o ouvinte, que por cerca de uma hora se vê nos pensamentos do artista.

Algo que chama atenção é que, diferente de nomes consagrados do rap internacional (como Kanye West), Kendrick não fez nenhuma parceria com algum outro grande artista para impulsionar as canções, mas adotou feats com pessoas próximas a ele — incluindo seu primo Baby Keem.

A unicidade que cerca todo o álbum já se apresenta na imagem de capa, divulgada dias antes do lançamento (que aconteceu no último dia 13 de maio): Lamar aparece junto a sua filha de dois anos e sua esposa, Whitney Alford, que está com um recém-nascido no colo — o que levanta a hipótese de que a família cresceu. Além disso, o cantor está com uma coroa que supostamente simula a coroa de Jesus Cristo. Outro símbolo que ganha notoriedade é uma pistola, escondida na parte de trás de sua cintura.

Grande parte dos elementos da capa são desvendados conforme as faixas avançam. Kendrick traduz com uma singularidade de flows em cada música abordagens como saúde mental, paternidade, críticas a negacionistas e anti-vacinas, solidão do homem preto, hipocrisia dos falsos cristãos — o que é observado na coroa de jesus como referência — e por fim, homofobia.

Lamar é o único artista de hip–hop a ganhar um Prêmio Pulitzer, conquistado pela letra de DAMN. O disco é um sucesso até os dias atuais, mesmo após cinco anos de seu lançamento. Mr. Morale & the Big Steppers traz uma receita parecida, mas com ingredientes muito mais avançados.

Sobre as faixas:

O primeiro título, United in Grief, abre com um verso que diz “espero que você encontre alguma paz de espírito nesta vida”. É como uma metáfora sobre a imersão psicológica trazida por todo o álbum. Pode se traduzir como uma forma onde o artista fala sobre “lutar com seus demônios internos”, em uma busca pelo seu bem-estar pessoal. Muito se diz sobre emoções sufocadas —  talvez pela fama e a difícil trilha —, além de conflitos familiares. Kendrick abre o coração e fala sobre como  o dinheiro é algo supérfluo quando você não encontra paz interior, visto muito no verso “o que é um rapper com jóias”, enquanto lista diversos conflitos que a fama e o luxo não curaram. Portanto, é um  jeito de abrir o álbum e já prender a atenção do ouvinte.

N95 faz uma referência direta à questão da pandemia e uma crítica aos negacionistas. Assuntos  sobre o pânico causado pelas mortes — que por diversas vezes eram anuladas e vistas como exagero por aqueles que não eram atingidos ou não acreditavam — foram discutidos. Uma análise dura e atual, muito bem traduzida pelo rapper.

Wordwide Stepper é, sem dúvidas, uma das faixas com os versos mais impactantes. Um grito de revolta ao racismo. A parte mais dura e mais sincera é quando ele faz uma alusão à sua filha e ao fato de estar preocupado com os perigos do lado de fora de sua casa, devido ao que ele chama de “genética”. Outro assunto pautado é a violência racial, visto no verso “nos consideram assassinos“. Além dessa pauta, também traz uma crítica à questão da religião e da hipocrisia das classes mais altas e de tradicionais instituições mundiais, como a igreja. 

 8 bilhões de pessoas na terra, assassinos silenciosos

Organizações sem fins lucrativos, pastores e a igreja, os bandidos e assaltante

A corporação Hollywood na escola, ensinando filosofias

Ou você morre, ou vai pra prisão, psicologia assassina

Essa sinceridade trouxe em palavras um grito de revolta que muitos não têm coragem de falar, o que faz a composição incrível e arriscada; e que  também alude às referências vistas na capa do disco. 

Die Hard fala novamente sobre o eu lírico do artista. Kendrick conta que precisou desenvolver toda sua força durante a trajetória, que não pode sucumbir a fraqueza e sempre buscou driblar as dificuldades impostas por toda a sua vida. Ele relembra seu passado, em uma viagem na qual o ouvinte embarca junto e entra na mente do artista — além de falar sobre arrependimentos, família e lutas internas.

[Imagem: Reprodução/Complex]

Father Time, como o nome já diz, fala sobre paternidade e os famosos daddy issues, que podem ser simplificados como “problemas paternos” — relacionados a alienação, solidão e tudo que vem junto com a ausência de um pai ou figura que o represente. Lamar viaja para suas memórias de infância e distância do pai, mostrando como isso o afetou. Junto a isso, traz a discussão referente à solidão do homem negro, onde narra que por toda a vida teve que esconder como isso o afetava e sempre se mostrar como forte. 

A visão da sua imagem como um pai, citado tanto em algumas músicas quanto na capa do álbum, como uma forma de fugir de algo que sentiu falta durante toda a sua vida. Um tema atual e muito debatido, ele expõe uma fragilidade pessoal que contorna a imagem que, quem vê de fora desconhece. Outro destaque nessa música foi a citação à Drake e Kanye West, passando pela briga entre os dois e a forma como se resolveram.

Rich e Rich Spirit conversam bem entre si. Foi de extrema inteligência que, quando na composição do disco, foram colocadas em sequência. Na primeira, descreve seu passado e as dificuldades enfrentadas, traz os “veteranos”, aqueles que já possuem dinheiro e ostentam na soberba, expondo como pessoas assim se comportam, sempre com uma visão pejorativa. Já a segunda, cita uma versão mais atual: novamente fala sobre sua filha, mas além da questão relacionada ao dinheiro e ao que a fama lhe trouxe, traz a questão de “espírito” e do sentimento de liberdade. 

We cry together é uma das letras mais fracas — quando comparada às outras. Não que seja ruim, a sonoridade é de fato boa, mas não é tão profunda como as outras músicas. O que talvez chame mais atenção é a exposição das pessoas que aderem pautas sociais, mas não cumprem, o que ele descreve como “falsas feministas”. Se assemelha à uma discussão de casal, o que a torna interessante. Os ataques pessoais se transformam em uma crítica total ao sistema.

[Imagem: Reprodução/Youtube]

Purple Hearts traz, mais uma vez, referências bíblicas: cita o fruto proibido numa metáfora, como se várias de suas dificuldades surgissem em torno de um objeto em específico. Não tão forte comparada às outras, mas com um flow intenso que atrai.

Crown fala da sua relação com a fama e sobre ser idolatrado. O próprio título se refere a isso, a tradução “coroa” alude a questão de ser um “rei” — alguém que ocupa um alto patamar na hierarquia musical e do Rap. Mas, diferentemente de muitos nomes do gênero, Kendrick não preza pela ostentação e sim por expor o lado negativo da fama e da idolatria. 

Eles te idolatram e louvam seu nome no país todo. Batem os pés e balançam a cabeça confirmando. Prometam que vão deixar a música tocando. É isso que eu chamo de amor. Mas chegará a hora de não estar lá quando alguém precisar de você.

Silent Hill faz referência ao jogo de terror que leva o mesmo nome, uma tirada bem pensada. Novamente com um conflito interno sendo discutido, o interessante na faixa é que, mesmo que o tema seja algo comum em diversas composições do álbum, sempre é abordado com novos pontos de vista. 

Savior fala sobre “salvar” ou “ser salvador”. Uma das músicas mais explosivas, responde a uma questão levantada em N95: “O que diabos é cultura de cancelamento?”. Uma canção se conecta a outra, e assim, é criada uma narrativa que se completa e torna tudo mais subjetivo.

Auntie Diaries retrata questões relacionadas a LGBTfobia, ao citar a narrativa de uma tia transgênero e a forma pela qual tal conceito foi compreendido e desmistificado pelo cantor quando passou a entender melhor e rompeu certos tabus que carregou por toda a vida.

Mr. Morale leva o nome do álbum. Fala de Lil Uzi, Oprah e muitas outras personalidades. Em um mix de suas próprias histórias e narrativas alheias — ao citar, por exemplo, o pai de Uzi —, Kendrick retrata a vida de pessoas de seu círculo pessoal.

E por fim, Mirror fecha o disco. A música faz uma analogia à Lamar olhando para si mesmo, com todas as suas forças e fraquezas. Sobre autoestima e a questão de se priorizar também, mas junto a isso, traz uma certa auto-piedade ao se sentir culpado por pensar em se pôr em primeiro lugar.

Kendrick Lamar falou sobre família, relações tóxicas e propôs muitas viagens introspectivas, em um disco quase todo baseado em si e em suas vivências, mas que conversa com certeza com temas comuns à várias pessoas. Sem medo de expor duras críticas, revela diversos aspectos sociais aos quais muitos artistas se limitam, o que torna o álbum uma verdadeira obra de arte, sem defeitos e sem papas na língua. 

Talvez o que o torna mais interessante seja a capacidade de conversar debates importantes, e também relacionar com pontos pessoais — principalmente colocando em um dos  grandes focos a paternidade, onde cita sua história com seu pai, mas seu ponto de vista como progenitor também.

Em menos de uma semana de lançamento, Kendrick mostrou como o impacto foi grande e que, mesmo com o hiato, evoluiu em sua criatividade e em suas composições. Em diversos países, está em primeiro lugar na Apple. Já no Spotify, está no Top 18 Global. Aclamado, o rapper recebeu grandes elogios da crítica especializada e o álbum Mr. Morale & The Big Steppers estreou no Metacritic com uma média de 100.

Com toda certeza, é um trabalho digno de Grammy.

Jack Harlow: a mistura de carisma e talento que o levaram ao topo

Se você está nas redes sociais, provavelmente já ouviu falar de Jack Harlow, seja pelas suas músicas virais ou pelo carisma do artista. O rapper que teve seu momento de ascensão em 2020, hoje vive seu melhor momento na carreira e com sua personalidade conquistadora não para de aparecer na mídia. Afinal, quem é Jack Harlow? E como ele se tornou uma das maiores promessas do cenário do rap americano?

Harlow nasceu em 1998 na cidade de Louisville, Kentucky. Desde seus 12 anos sempre foi apaixonado pelo hip-hop e com essa idade começou a gravar músicas no seu quarto, postando na plataforma SoundCloud para compartilhar com seus colegas. Na época, gravou algumas mixtapes com amigos sobre o nome de Mr. Harlow. Extra Credit foi um desses projetos que chegou a ser lançado independentemente, mas não pode ser mais encontrado em nenhum serviço de streaming.

Em 2015, o rapper lançou seu primeiro EP comercial, The Handsome Harlow, com a gravadora independente de Louisville, sonaBLAST! Records. Pelo sucesso de seus projetos durante o ensino médio, Jack ainda conseguiu esgotar alguns shows em espaços populares da sua cidade.

Já em 2016, um mês após se formar no ensino médio, o artista lançou outra mixtape, intitulada 18, pela gravadora e coletivo musical Private Garden Records, fundada por Jack Harlow e The Homies. O projeto com 8 faixas teve participações de Otis Junior e Nemo Achida e como singles, Never Woulda Known, featuring Johnny Spanish, e Ice Cream.

Capa da mixtape 18 de Jack Harlow. [Imagem: Reprodução/Amazon]

No ano seguinte, Harlow lançou dois singles, Routine e Dark Nigth, sendo o último acompanhado de um videoclipe por ser o lead single do álbum. Os lançamentos foram para mais uma de suas mixtapes, essa chamada de Gazebo. Para promover o projeto, o rapper chegou a fazer uma turnê que incluía 14 cidades dos Estados Unidos, chamada de Gazebo Tour.

Pensando no futuro da sua carreira, Jack Harlow então se mudou para Atlanta, onde conheceu seu conterrâneo KY Engineering e construiu uma relação de trabalho com ele. Foi a partir desse encontro que o artista pôde conhecer o DJ Drama, que ficou impressionado com o estilo único do rapper. Em agosto de 2018, Harlow anunciou a assinatura com a Atlantic Records através da gravadora de DJ Drama e Don Cannon, Generation Now.

Para celebrar a parceria, foi lançado o videoclipe de SUNDOWN, lead single do seu próximo projeto, a mixtape Loose. O disco com 13 faixas contou com a participação dos rappers CyHi the Prynce, K Camp, 2forwOyNE e Taylor. No final de 2018, o artista embarcou em uma turnê pela América do Norte chamada The Loose Tour. Com o sucesso do single, o álbum colocou Jack em um cenário de conhecimento nacional e conquistou a crítica. Loose chegou a ser indicada no BET Hip Hop Awards de 2019 na categoria de Melhor Mixtape.

Apesar de não serem singles, as faixas PICKYOURPHONEUP com participação do  K. Camp, CODY BANKS, SYLVIA featuring 2forwOyNE e DRIP DROP em parceria com Cyhi The Prynce, ganharam videoclipes no início de 2019.

Desde 2016, Harlow vinha lançando um projeto por ano, apostando em uma constância para atingir cada vez mais público. Em 2019 não foi diferente, lançou o lead single THRU THE NIGHT em parceria com o cantor Bryson Tiller. A faixa antecipou a nova mixtape do artista, intitulada Confetti.

Com 12 faixas e participações de 2forwOyNE and EST Gee, o projeto ainda contou com os singles não oficiais, HEAVY HITTER, GHOST, WARSAW com participação de 2forwOyNE, RIVER ROAD e WALK IN THE PARK

Com a chegada de 2020 mais lançamentos foram programados para o artista, mas dessa vez algo mudaria sua carreira. Em janeiro, era lançado o single WHATS POPPIN antecedendo o seu segundo EP, Sweet Action. O videoclipe, lançado junto a faixa, foi produzido por Cole Bennett do canal Lyrical Lemonade, que já trabalhou com gigantes da indústria, como Eminem e Juice WRLD.

WHATS POPPIN tornou-se o maior viral da rede social TikTok, sendo usada em diversas trends do aplicativo. Vale lembrar que no início de 2020 a rede social viveu um de seus maiores momentos de ascensão, impulsionando o nome de vários artistas, como Doja Cat e Megan Thee Stallion.

A versão original do single alcançou a 8° posição na Billboard Hot 100 e cinco meses depois, a canção ganhou um remix com a participação de DaBaby, Tory Lanez e Lil Wayne. Associada a grandes nomes, a música fez ainda mais sucesso atingindo o segundo lugar na parada musical da Billboard. Além disso, WHATS POPPIN foi indicada no Grammy Awards de 2021 na categoria, Melhor Performance Rap

Foi nesse momento que Harlow passou de um artista local em ascensão para um dos artistas revelação de 2020. No final do mesmo ano, o rapper anunciou o lead single, Tyler Herro, para o seu álbum de estreia intitulado Thats What All They Say. O primeiro single do projeto não se igualou ao sucesso anterior e apenas conseguiu a 34º posição na Billboard Hot 100.

Já o disco com 15 faixas contou com grandes figuras da indústria musical, como Lil Baby, Big Sean, Chris Brown, Adam Levine, Bryson Tiller, EST Gee e Static Major. As duas versões de WHATS POPPIN foram incluídas no projeto e o álbum no seu lançamento alcançou a 5° posição a Billboard 200, vendendo 51 mil cópias. Outros dois singles foram promovidos, Way Out com participação de Big Sean e Already Best Friends com Chris Brown.

Tentando se manter como figura presente no mainstream, Jack colaborou com artistas como G-Eazy, Eminem, Ty Dolla $ign, Saweetie e French Montana. Até que uma das suas participações se tornou seu próximo sucesso, a aclamada INDUSTRY BABY de Lil Nas X.

A canção atingiu o número 1 na Billboard Hot 100 em 2021, sendo essa a primeira vez de Jack Harlow no topo do chart. INDUSTRY BABY ganhou indicação no Grammy 2022 na categoria Melhor Performance de Rap Melódico e o verso de Jack foi considerado por muitos da crítica como um dos pontos altos da música.

No início de 2022, Harlow começou a preparar o caminho do lançamento de seu segundo álbum, Come Home The Kids Miss You. O lead single do disco, Nail Tech, alcançou a 18°posição na Billboard Hot 100 e ganhou reconhecimento de um dos maiores nomes do rap, Kanye West.

Em postagem já excluída do Instagram, Kanye elogiou o talento nas letras de Jack, dizendo que ele realmente consegue rimar e é um dos top 5 rappers atualmente. Harlow não escondeu sua felicidade no Twitter, já que West é um dos seus grandes ídolos e inspirações na música.

Tradução: “Isso aqui…é um dos melhores momentos de toda a minha vida…feliz que todos vocês puderam assistir da primeira fila … de repente todo o ódio não significa nada… imagine seu herói dizendo isso sobre você… Eu poderia chorar”

Os dois acabaram colaborando para o álbum de Kanye, Donda 2, em uma faixa chamada Louie Bag. Ela não pode ser encontrada em nenhum streaming convencional, já que só foi disponibilizada nos serviços da Stemplayer, dispositivo criado por West. Apesar disso, Harlow participou de uma das grandes performances ao vivo para promoção do disco, realizadas em um estádio em Miami.

Apresentação da música Louie Bag no estádio LoanDepot Park em Miami. [Imagem: Reprodução/Good Music]

Meses após o primeiro single de Come Home The Kids Miss You, Jack postou uma prévia em estúdio do que seria seu próximo hit viral. O vídeo que mostrava o refrão da canção First Class viralizou imediatamente nas redes sociais, principalmente, pelo uso do sample de Glamorous da cantora Fergie.

Uma semana depois a música foi lançada e estreou no primeiro lugar da Billboard Hot 100, sendo essa a segunda vez do artista no topo e sua primeira com uma canção solo. Aproveitando o momento de sucesso, Harlow finalmente lançou seu segundo álbum de estúdio com participações de Pharrell Williams, Drake, Justin Timberlake e Lil Wayne.

O projeto recebeu críticas mistas e no site do Metacritic ganhou nota 52, não impressionando a Pitchfork que deu a baixíssima nota de 2.9 e atribuiu o álbum como uma das declarações mais insípidas e vazias da história pop recente.

Dá para notar que Jack Harlow tem hits, conquistou as paradas musicais e seu talento no rap é inegável. Mas nem todos esses elementos justificam sua ascensão à fama nos últimos dois anos. Jack ganhou muitos admiradores por seu carisma e confiança, que o fizeram ser considerado um dos rappers mais bonitos do momento.

Talvez a primeira vez que você tenha visto Harlow foi quando partes da entrevista do artista com a comediante Amelia Dimoldenberg ganharam as redes sociais. No vídeo que simula um encontro entre os dois, ele exibiu sua personalidade paqueradora, cheio de brincadeiras e gestos românticos.

O público foi à loucura com esse lado do artista e, frequentemente, Jack aparece em vídeos flertando e desconcertando mulheres famosas. No tapete vermelho do BET Awards em 2021, ele viralizou em um vídeo cumprimentado a  rapper Saweetie e no Met Gala deste ano em entrevista com a youtuber Emma Chamberlain aconteceu o mesmo.

E parece que o carisma do rapper vai o levar até as telas do cinema, já que Harlow foi confirmado no elenco do reboot do clássico de 1992, Homens Brancos Não Sabem “Enterrar”. Na sua primeira audição para o filme, o artista conseguiu impressionar os diretores e executivos o suficiente para interpretar um dos protagonistas, o personagem Billy Hoyle.

Fica evidente que Jack Harlow construiu seu caminho na indústria musical com muita constância e lançamentos frequentes. Quando finalmente algo chegou ao mainstream, o artista soube que era seu momento. Ele parece ter um plano claro de como vai levar a vida da fama, sempre unindo seu carisma com seu trabalho. Essa mistura o tornou uma figura sólida em dois anos e o cenário parece bem promissor para o futuro.

De Raffa Moreira a Matuê: a ascensão do trap no Brasil

Quem acompanhou as últimas tendências da música nacional e os sucessos que ocuparam a lista de mais ouvidas das plataformas de streaming, com certeza se deparam com alguns nomes do trap, como Filipe Ret, L7nnon, Xamã, entre alguns outros. 

É fato que essa vertente do rap nacional tem ocupado cada vez mais espaço e um dos maiores exemplos disso foi no reality show mais assistido do Brasil: Big Brother Brasil. A própria final contou com um show de Xamã, dono do hit Malvadão 3, que chegou até mesmo a paradas mundiais de música.

Porém, esse fenômeno não surgiu por acaso, mas como um trabalho que se firma há anos no país. O rap, desde seu princípio, sempre foi um dos maiores objetos de identificação cultural nacional. Nomes como Racionais MC, Sabotage, Trilha Sonora do Gueto, Cacife Clandestino sempre estiveram em alta, trazendo em suas letras o que a MPB muitas vezes deixava de lado. Era um grito periférico que trazia em forma de poesia cantada aquilo que muitos não queriam ouvir, uma revolta daqueles marginalizados.

Quem é da velha guarda, muitas vezes luta contra esse ‘filho mais novo’ que está surgindo: o trap. Há quem diga que não tem a mesma força do rap de mensagem e quem compare os novos artistas com personalidades icônicas, como Mano Brown. Embora venha de uma abordagem um pouco diferente, o trap nada mais é do  que uma configuração de vários anexos do estilo.

Mesclando a letra com uma pegada mais envolvente e eletrônica, a vertente chegou ao Brasil carregado por influências internacionais. As letras  explicitam a realidade social, desigualdade, consumo de drogas, racismo, ostentação e o famoso ‘papo de vivência’. O estilo surgiu, a priori, nos Estados Unidos, na cidade de Atlanta, em meados dos anos 2000. 

O som, por sua vez, é caracterizado por um conteúdo mais agressivo do que o do rap em si. Conta com a presença de sintetizadores de som, mas com letras que também tratam de temas relacionados à política e percepções comuns do gênero. 

Trazendo ao cenário nacional, é fato que nomes como Recayd Mob e Raffa Moreira foram os estreantes ao tratar o movimento no cenário nacional. Inspirado em nomes como Travis Scott, Lil Uzi e Rae Sremmurd, o gênero começou a bombar no Brasil entre 2016 e 2019, quando alcançou um aumento de 61% no consumo das produções no Spotify. 

Guarulhos, cidade localizada próxima à capital de São Paulo, foi um dos principais centros do movimento. Lá surgiram personalidades como Raffa Moreira e Klyn, que ganharam reconhecimento após o lançamento de Fiat 1995. Em outros estados, como Espírito Santos, Bahia e Ceará também surgiram nomes que passaram a ocupar a cena, como NOX, WX, Matuê e Baco Exu do Blues, que estreou com a polêmica de Sulicídio, em 2016.

Sulícidio virou alvo de críticas ao trazer abordagens que foram interpretadas como agressivas e importunas. Na ocasião, o rapper afirmou que optou por retirar a faixa das plataformas. 

Baco Exu do Blues explica polêmica relacionada ao Sulícidio

Porém, o que fez com que o trap saísse da bolha foi o hit Brô, de Raffa. O famoso ‘Bro, faz sol’ na época em que foi lançado virou, inclusive, alvo de memes, relacionados ao excêntrico estilo do artistas e a forma da qual ele trouxe um estilo que não era popular no país, e que a princípio, causou um certo estranhamento.

Presente nas paradas de músicas atualmente com o hit Vampiro, Matuê também foi um notável pioneiro na ascensão do estilo, com as faixas Kenny G e Anos Luz. Conhecido também como Tuê, com influências americanas, principalmente com o seu álbum Máquina do Tempo, o cearense trazia sobre suas vivências, ostentação e temas sociais, além da exaltação do Nordeste, em específico, de Fortaleza, sua terra natal. Seu sucesso foi tanto que várias de suas composições alcançaram pessoas que mal estavam envolvidas com o cenário do rap. Matuê é, de fato, um fenômeno.

É impossível falar da popularização do trap e não lembrar do grupo paulista Recayd Mob, o primeiro grupo musical que fez sucesso ao produzir músicas relacionadas ao gênero. Composto por Derek, Dfideliz, Jé Santiago e Igu, a Recayd explodiu com o hit Plaqtudum, que logo na sua primeira semana de lançamento desbancou gêneros que sempre estão no topo das paradas musicais, como o sertanejo. 

A origem do grupo se deve muito a um membro específico, Derek, que aos seus 16 anos notou que um movimento novo estava surgindo na música, nos Estados Unidos, uma espécie de ‘rap que mesclava com a eletrônica’. Junto com alguns amigos, foi responsável por fundar o que se tornaria um dos maiores grupos mais populares de trap no cenário nacional. 

Dfideliz falou em entrevista ao El País que o intuito da Recayd era trazer elementos estrangeiros e do funk ao trap, como uma forma de inovação ao gênero. “O que a gente fez foi abrasileirar a parada. Levamos a linguagem do funk para o trap”, declarou o artista.

Junto aos nomes mais emblemáticos que fundaram o estilo no Brasil, os artistas foram além da música. O rap, como um todo, sempre ligou a uma vivência no geral, alcançando a moda, vivência e até mesmo o dialeto. E com o trap não foi diferente.

Um dos principais exemplos quanto a isso foi o óculos ‘do Kurt Kobain’, que era usado pelo artista nos seus primeiros clipes de música. Em suma, o trap carrega o que pode ser considerado como um lifestyle – estilo de vida – que não resume os cantores e nem os fãs, a música apenas, como acontece com o pop e outros gêneros, mas que corre para outras áreas também. 

Falando em moda, em poucas palavras é um estilo definido na estética street, urbano. É comum notar a presença de roupas de marca, que vem muito atrelado a ostentação presente nas letras, lembrando inclusive traços do funk. Nomes como Lacoste se tornaram inclusive nome de música, como no caso do artista Kyan. 

Outro item são as famosas pratas, jóias brilhantes muito citadas nos versos, novamente associada à questão da ostentação e do ‘vencer na vida’. Com o passar dos anos, mais nomes passaram a ganhar espaço na indústria e muito do destaque, além da questão musical, se associava ao estilo.

Um dos exemplos é o mineiro Sidoka. Com apenas 23 anos, é considerado um dos grandes expoentes do trap nacional, com um estilo excêntrico e próprio. Doka ganhou o prêmio MTV Millenial Awards 2021 na categoria Trap na cena e participou do documentário Música pelo Brasil: Trap.

[Imagem: Reprodução/Danilo Silva]

Foi introduzido por Djonga, um dos grandes nomes da cena nacional, que trata muito em suas composições questões relacionadas a ir ‘da lama para o luxo’. Porém, o que chama atenção para o artista é a mistura que se faz com elementos do trap, rap, funk e eletrônica. Criando assim uma vertente que tornou suas composições emblemáticas, além de letras que abordam desde suas vivências até pontos relacionados a casos amorosos, como na música Não me sinto mal mais.

O trap foi considerado pela revista VEJA como o ‘novo rock’n roll‘ dos jovens. Cada vez mais é vista a tendência do ‘filho mais novo do rap’ de alcançar trends e conquistar ainda mais o público. Nos últimos tempos, isso foi bastante visto com o hit Malvadão 3, do Xamã, que se tornou uma das principais músicas do verão do último ano após bombar no TikTok. O trap mostrou que cada vez mais está rompendo fronteiras.

No Rock in Rio, evento de música que acontecerá em setembro no Rio de Janeiro, haverá uma programação no palco sunset exclusivamente destinada ao gênero, que contará com a presença de nomes muito conhecidos, como os de L7nnon, Papatinho, que inclusive tem uma música com o jogador do Flamengo Gabigol, Matuê, Teto, entre outros.

Há um outro elemento que também liga todos esses artistas citados anteriormente: a presença do autotune. Muito utilizado lá fora por artistas renomados como Travis Scott, o efeito robótico na voz marca presença em basicamente todas as músicas produzidas. 

Toda essa popularidade tem afetado a indústria musical nacional como um elemento completo. Isso estimulou, até mesmo, o surgimento de gravadoras especializadas no mercado, como a Pinneaple Storm, que é conhecida pelas poesias acústicas, 1Kilo, Mainstreet, Papatunes, entre outras. Estas gravadoras especializadas no gênero, além de serem responsáveis por lançar grandes nomes, acumulam mais de 7 milhões de ouvintes mensais. 

[Imagem:  Divulgação/Thalita Monte Santo]

A popularidade é tão ascendente que muitos cantores estão ocupando lugares dos quais raramente o rap nacional ocupava, como as grandes mídias e televisões abertas. Na última edição do Big Brother Brasil, os participantes popularizaram alguns hits como Freio da Blazer e Gratidão, ambos do L7nnon. Além de algumas canções de Filipe Ret.

Bombou tanto ao ponto de que ambos os artistas foram convidados para cantar em uma das festas do programa mais assistido do país, em um palco onde até mesmo personalidades internacionais marcaram presença. 

A expectativa é que o trap ocupe mais ainda as paradas musicais e se firme cada vez mais  como o novo anexo de um dos gêneros mais tradicionais do Brasil: o rap. 

Sleeper Hits: conheça algumas músicas que demoraram para estourar

Às vezes na indústria musical, existe um fenômeno chamado Sleeper hits, que são as músicas que se tornam um sucesso depois de anos ou meses que foram lançadas. Com a internet e as redes sociais, uma canção pode viralizar e crescer de maneira orgânica nas paradas musicais, vencendo um lançamento fracassado ou pouco investimento por parte do artista.

No Tik Tok, ocasionalmente uma música antiga vira uma trend no aplicativo. Foi o que aconteceu com a faixa Heat Waves da banda britânica Glass Animals. Lançada em junho de 2020, como single do álbum Dreamland, a canção quebrou o recorde de crescimento na parada musical Billboard Hot 100, chegando ao topo do chart em 59 semanas. 

Heat Waves chegou ao número 1 da Billboard Hot 100 em março de 2022 e permaneceu no topo por 5 semanas, quase dois anos após seu lançamento, e muito se deve à viralização do refrão da música no TikTok em 2021. Na Billboard Global 200 atingiu o topo e se manteve por 6 semanas na posição.

Outro hit antigo inesperado da rede social foi Beggin, versão cover da banda italiana Måneskin. Originalmente a canção foi lançada pela banda americana The Four Seasons em 1967 e ao longo dos anos ganhou várias regravações e remixes. Quando estava concorrendo no X Factor Itália, a banda Måneskin apresentou um cover da famosa música, que mais tarde integrou o EP de estreia Chosen em 2017. 

Em 2021, a banda ganhou o Eurovision, competição musical europeia, e algumas de suas músicas começaram a aparecer nas paradas musicais depois de 4 anos de lançamento. No Tiktok, Beggin foi uma das canções virais e chegou a atingir o terceiro lugar na Billboard Global 200. Além disso, alcançou o topo do chart de rádios Alternativo e Rock da Billboard, e ficou na 13° posição na Billboard Hot 100, sendo esse o debut da banda no chart.

Talvez um dos casos mais interessantes de Sleeper hits dos últimos anos foi da canção Truth Hurts da cantora Lizzo. Lançada oficialmente em 2017, a música não fez muito sucesso e não alcançou nenhuma parada musical. Mas o single, depois de dois anos, acabou virando uma trend nas redes sociais chamado #DNATest, em que brincando com alguns versos da música, os usuários podiam adaptar a letra com o que se identificavam.

Para ajudar ainda mais na viralização, a faixa apareceu no trailer do filme Alguém Especial da Netflix e foi cantada por uma das personagens, em uma das melhores e mais compartilhadas cenas do longa. Com isso, a canção foi adicionada na versão deluxe do álbum Cuz I Love You de Lizzo, lançado no início de 2019.

Truth Hurts atingiu o topo da Billboard Hot 100 e permaneceu por 7 semanas no primeiro lugar da parada musical, sendo essa a primeira faixa da artista a ter esse feito. Mesmo tendo sido lançada em 2017, a música foi elegível para o Grammy Awards de 2020. Sendo indicada em três categorias, Música do Ano, Gravação do Ano e Melhor Performance Pop Solo. Truth Hurts levou o gramofone em Best Pop Solo Performance.

Além disso, a canção foi incluída em listas importantes, como as 500 melhores músicas de todos os tempos definidas pela revista Rolling Stones e músicas que definiram uma década pela Billboard.

Lizzo no Grammy 2020 com suas vitórias em Melhor Performance Pop Solo, Melhor Performance de R&B Tradicional e Melhor Álbum Contemporâneo Urbano. [Imagem: Reprodução/Getty Images]

Quem diria que um dos maiores sucessos do início da carreira de Lady Gaga também foi um Sleeper hit? Just Dance, com participação de Colby O’Donis, foi lançada em abril de 2008 como lead single do álbum de estreia da cantora, The Fame. Mas mesmo com boa recepção da crítica, a faixa só atingiu o primeiro lugar do chart Billboard Hot 100 em janeiro de 2009, 9 meses desde o lançamento e permanecendo por 3 semanas no topo. 

O single foi indicado ao Grammy de 2009 na categoria de Melhor Gravação Dance e o crescimento orgânico da música em 22 semanas na Billboard Hot 100, pode ser facilmente atribuído ao sucesso que Just Dance foi obtendo nos clubes e baladas americanas.

 Poker Face, também de Lady Gaga, fez caminho semelhante. Lançada em setembro de 2008 como segundo single do The Fame, a música não teve desempenho comercial relevante na época. Mas com o sucesso de Just Dance, a faixa começou a subir nas paradas musicais. 

Após 4 meses de seu lançamento, Poker Face atingiu o topo da Billboard Hot 100 e na época a cantora se tornou a primeira artista em 10 anos a conseguir colocar seus dois primeiros singles em primeiro lugar no chart. A música recebeu indicações no Grammy Awards de 2010 nas categorias de Gravação do Ano e Música do Ano, e ganhou Melhor Gravação Dance.

Outro caso de Sleeper hit que aconteceu na década passada foi Sail da banda americana Awolnation. Sendo lançada pela primeira vez em 2010 no EP de estreia, Back From Earth, e depois incluída no primeiro álbum do grupo, Megalithic Symphony, em 2011. A faixa entrou na Billboard Hot 100 em setembro do mesmo ano, na 89ª posição, e após 20 semanas no chart saiu da parada musical.

Depois de dois anos, a faixa entrou novamente na Billboard Hot 100alcançando a posição 17 e permaneceu por 79 semanas entre as 100 músicas mais ouvidas dos Estados Unidos. Sail se tornou a terceira canção com mais semanas na Billboard Hot 100, atrás somente de Blinding Lights do The Weeknd com 90 semanas, e Radioactive do Imagine Dragons com 87 semanas.

A razão desse fenômeno depois de muito tempo foi pelo uso da música em diferentes propagandas, vídeos pela internet e programas televisivos. A faixa apareceu no trailer da série Vikings da History Channel, na trilha sonora de um vídeo de wingsuit que viralizou em 2011 que hoje conta com mais de 30 milhões de visualizações, em diversos vídeos da rede social Vine, no comercial da BMW e em séries e filmes como Os Desconectados, Meu Eterno Talvez, Fleabag e The Walking Dead.

Outro destaque fica para a canção Habits (Stay High) da cantora sueca Tove Lo. Inicialmente, a música foi lançada independentemente pela artista em 2013 com o nome apenas de Habits, sendo esse o seu segundo single lançado sem o apoio de uma gravadora. Depois de Tove Lo assinar com a Universal Music, a faixa foi relançada em dezembro do mesmo ano servindo com o segundo single do EP, Truth Serum, e como o lead single de seu álbum de estreia, Queen of the Clouds.

A música entrou nas paradas musicais em 2014, um ano após o relançamento, e alcançou a terceira posição na Billboard Hot 100. Um remix da canção foi lançado na metade de 2014 e impulsionou o hit nas paradas, no Youtube a versão do duo Hippie Sabotage é a com mais visualizações.

É interessante perceber a longevidade que algumas dessas músicas apresentaram. Independente da época que foram lançadas, o seu sucesso não estava atrelado a alguma fase da indústria musical, pelo contrário, pode-se dizer até que estavam à frente de seu tempo. 

Atualmente, com as redes sociais, um grande fenômeno na música pode surgir sem grande investimento e divulgação. O crescimento orgânico através dos fãs e viralização espontânea de algum vídeo que utilize a canção na internet pode ser o suficiente para marcar um hit em ascensão. 

Para os cantores e os fãs de música, é uma boa notícia que nenhuma faixa ou single esteja destinado ao fracasso imediato, e que só depende de um pouco de tempo para a descoberta de tais artistas.