Penso no Big Brother como uma grande vitrine: de comportamentos, atitudes, novas ideias e tendências. Sejam as tendências que vêm para ficar ou apenas as que refletem pontos que precisamos urgentemente mudar. O fato é que o programa sempre teve audiência recorde e expõe para milhões de brasileiros o que está “em alta”. O que, na sua primeira década, era um espaço de entretenimento e visibilidade, se transformou nos últimos anos, com os investimentos milionários e a constante participação de outras redes sociais nos resultados e acontecimentos do programa.
Se analisarmos apenas as últimas edições da versão brasileira, por exemplo, já vemos um aumento significativo em participações de marcas. Segundo a Época Negócios, em 2023,o programa fechou contrato com 34 empresas diferentes, sendo que, em 2022, esse número era de 11 patrocinadores e, em 2021, foram 8. Segundo a Rede Globo, a divisão das marcas é feita por cotas e a maior delas é de R$ 105 milhões cada (em que participam empresas como a Seara). O motivo para tamanho interesse, como já dito acima, é a audiência gerada pelo programa: em 2022 mais de 153 milhões de pessoas viram os conteúdos do BBB nas plataformas da Globo.
Ok, mas o que isso tem a ver com moda afinal? Retorno a minha primeira analogia: o BBB é uma verdadeira vitrine (e nem estou falando só da Casa de Vidro). Quando as pessoas assistem, elas veem muito mais do que as provas e confusões entre os grupos. Elas também se interessam pelo modo como os participantes se vestem e o que de novo – ou não – tem ali. E isso acontece desde muito antes do Instagram ou TikTok entregarem conteúdos a cada segundo.
Durante a edição BBB 03, eu tinha 4 anos de idade, portanto, não estava muito antenada nas tendências de moda do país (e nem no programa!). Mas se você era adolescente ou acompanhava o reality na época, tenho certeza que se lembra dos famosos brincos de pena usados pela Sabrina Sato na edição. Na minha opinião, foi a primeira tendência lançada e desejada que saiu diretamente do Big Brother Brasil. Hoje em dia, é mais comum encontrarmos outras versões do acessório, como as menores e de metal.
Sabrina Sato usando os famosos brincos de pena, no BBB03 [Imagem: Reprodução/Capricho]
Já na edição BBB 07, foi a primeira vez em que fui influenciada diretamente por um item desejo. Eu não assistia ao programa e nem tinha acesso à internet, mas me lembro perfeitamente de ver meninas adolescentes usando flores de crochê no cabelo. Implorei para a minha mãe me dar algumas coloridas, sem nem saber de onde aquela vontade vinha. Eu achava lindo? Combinava com minhas roupas? Não sei. Sei que era o que eu queria porque, afinal, todas as meninas mais velhas tinham. Hoje sei que posso agradecer à participante da edição, Iris Stefanelli, que transformou o acessório em verdadeira febre.
Íris Stefanelli e a tendência da flor de enfeite na cabeça. [Imagem: Reprodução/Capricho]
Eu poderia dar vários exemplos direto do túnel do tempo, como as headbands usadas pela Maria Melilo, no BBB 11, mas seguindo para a pandemia em 2020 vimos como as edições verdadeiramente se transformaram depois de um acontecimento com nome e sobrenome: Manu Gavassi. Gostem ou não, o fato é que Manu revolucionou o programa ao deixar vídeos no Instagram prontos do lado de fora da casa, para cada possível situação que enfrentasse lá dentro. O modo como ela conversou com o público, mesmo isolada por 3 meses, ditou como seriam as edições desde então, com números girando em torno de seguidores e engajamento nas redes sociais. Ela também lançou várias tendências de moda – e já vou explorar isso melhor – , mas essa relação entre consumo direto aqui fora ao que é mostrado no reality verdadeiramente mudou após a pandemia e explosão do TikTok, com coleções lançadas praticamente instantaneamente e lojas reproduzindo o que o público gostava de ver, de maneira cada vez mais acessível.
Tenho certeza que todo mundo lembra do meme da Manu com a sandália tratorada que parecia ser do tamanho dela. Menos de 1 mês depois e todos os principais nomes de marcas de calçados nacionais como Melissa, Anacapri e Arezzo tinham as suas próprias versões do sapato que dividiu opiniões. Mas penso que é exatamente esse o ponto: não é todo mundo que vai gostar e usar, mas era a peça mais comentada – literalmente – do país. Todo mundo sabia o que era uma sandália tratorada, depois disso, não apenas os mais ligados à moda. Na mesma edição, tivemos Bianca (a Boca Rosa) com os buckets hats. Ela afirmou, depois de ser eliminada, que todos os seus looks, incluindo cabelo e maquiagem, já tinham sido decorados para o confinamento, fato que fez com que sua marca vendesse 3 vezes mais, enquanto ela estava no programa.
A famosa sandália da Manu Gavassi que dividiu opiniões em 2020. [Imagem: Reprodução/Yahoo Notícias]
O fenômeno do BBB 21 não foi diferente: Juliette lançou moda ao usar camisa por baixo de cropped, tiaras acolchoadas e os brincos que imitavam piercings, os ear hooks. As vitrines das principais lojas do país eram tomadas por manequins “à la Juliette” e com outras tendências da edição, como os lenços na cabeça. Para comprovar que o sucesso do programa em si não interfere 100% no que o público deseja comprar, a edição de 2022 é um perfeito exemplo. Com um elenco considerado fraco e chato, uma participante lançava praticamente uma tendência nova por semana – e sem ser a queridinha do público. Jade Picon abusou das estampas psicodélicas, transparências, corsets em formato de coração, delineados diferentes e crochê. Ela usava uma peça na segunda-feira e, já na sexta da mesma semana, todas as lojas já vendiam as peças (que esgotavam em dias).
A participante Jade Picon e um dos seus looks mais famosos e recriados, com o corset em formato de coração. [Imagem: Reprodução/Instagram]
Quando penso na edição atual, confesso que ainda não me vem nenhum nome ou momento específico até então à cabeça. Ok que estamos na primeira metade do programa, mas para mim, uma das únicas que tem mostrado peças que têm chamado mais atenção é a atriz Bruna Griphao. Parece até que eu estou olhando diretamente para os anos 2000, com as inúmeras peças de cintura baixa, mix de cintos e, a (aparentemente) marca registrada da participante na edição, os corsets. Talvez ainda seja cedo para categoricamente afirmar que não teremos tendências de moda dessa vez, principalmente por se tratar de um assunto tão dinâmico. Entretanto, nesse quase primeiro mês, os looks definitivamente não chamaram tanta atenção e nem levantaram tanto burburinho nas redes sociais.
Bruna Griphao, da edição atual, usando um dos corsets que levou para a casa. [Imagem: Reprodução/Instagram]
Com a possibilidade (cada vez mais real) de peças serem produzidas e divulgadas em pouquíssimo tempo, as tendências passaram a ser mais acessíveis e imediatas. Penso que isso abre espaço para outras discussões muito relevantes, como o impacto ambiental de marcas que lançam uma coleção por dia e até o questionamento de o quanto essas tendências imediatistas realmente duram e representam o que os consumidores querem. Será que elas aguentam mais de uma estação em alta? Será que representam o que realmente vem pra ficar? Como isto não é um livro, minhas reflexões deste texto param por aqui, na certeza de que muito mais pode ser dito. A moda e a maneira como a vivemos em nosso dia a dia mostra como é uma área interdisciplinar, viva e real. Como ela acontece todos os dias e é moldada e influenciada pelo que está realmente acontecendo onde estamos – principalmente quando isso tudo é documentado no horário nobre para milhões de pessoas.
Você aperta o play, a história começa e, nos primeiros 15 minutos, já é possível identificar o mocinho, o vilão, sentir empatia ou aversão por algum personagem. E é exatamente isso que a produção quer que aconteça. Antes mesmo de a história se desenrolar por completo, ela já quer prender o telespectador por um único ponto que, segundo pesquisas, é responsável por 90% das informações transmitidas ao cérebro: o visual.
Feche os olhos e imagine: cores suaves – candy colors, mais especificamente -, cabelos soltos e esvoaçantes, make leve, sapatos sem salto, roupas soltas e com muita cara de conforto… aposto uma caixa inteira de produtos da Rare Beauty que você idealizou uma pessoa inocente, boa, de alma leve e sorriso fácil. Agora, feche novamente e faça o caminho inverso: pense em cores vibrantes e profundas, olhares marcados, cabelos milimetricamente controlados, roupas justas e com caimento pesado… a aposta segue a mesma se você idealizou alguém de personalidade forte, quase inacessível, que causa um certo receio só de pensar em se aproximar. Esse é o poder da caracterização, e é ele um dos artifícios mais poderosos na construção de um personagem que cativa.
Anna Delvey [Imagem: Reprodução/Pinterest]Anna Delvey [Imagem: Reprodução/Pinterest]
Um exemplo nítido desse feito é a transformação instantânea de Anna Delvey na série “Inventando Anna” (que foi um verdadeiro fenômeno quando foi lançada no início do ano). Ao ouvir que sua aparência, antes composta por ondulados cabelos loiros, maquiagem romântica e um estilo mais girlie, não condizia com a de uma mulher de negócios, séria e competente que gostaria de se transparecer ser para conquistar aliados e financiadores, Anna prontamente tratou de escurecer os fios, adotar óculos quadrados e de armação escura (contrariando seu contraste pessoal e gerando peso visual), apostar em peças de corte mais reto, tecidos mais firmes e uma postura mais formal. A forma como ela passou a ser percebida mudou instantaneamente, e isso aconteceu logo na primeira cena em que ela aparece com o novo visual, antes mesmo que o primeiro diálogo dela nessa nova fase fosse construído.
A aparência, goste ou não, é sim um meio de exercer uma chamada “comunicação silenciosa” e, assim como ela é capaz de externar a personalidade de “pessoas reais” no dia a dia, na criação de um enredo artístico também. Fato é que, a maior intenção dos autores é criar uma conexão com o público, seja por meio do incômodo, da identificação, da polêmica ou da aversão, o que importa é fazer com que o que é fictício não seja esquecido no que é real, e a beleza tem um papel fundamental nisso. Pode parecer ousadia, mas vale dizer que uma boa parte das pessoas que consomem o conteúdo cinematográfico conseguem se lembrar de algum personagem – que para eles foi – marcante quando vê uma determinada peça em uma loja, num corte de cabelo de alguém passando pela rua ou num estilo de maquiagem que está mais em alta – já que a mídia tem, inegavelmente, esse famoso e ao mesmo tempo assustador, poder de influenciar o desejo das massas. O conjunto xadrez de Cher em As Patricinhas de Beverly Hills, o cinto dourado e a capinha de soco inglês da delegada Helô em Salve Jorge, o pretinho básico junto de um colar extravagante de Holly em Breakfast at Tiffany’s… Se notarem, cada um desses elementos se comunica muito estrategicamente à personalidade dos personagens que os tornaram famosos: o xadrez é uma estampa clássica e que, em algumas variações, é ligada à monarquia – como o xadrez Príncipe de Gales – e Cher era uma verdadeira princesinha no clássico dos anos 1990; o cinto dourado traz um toque de glamour e a capinha de soco inglês transmite uma mensagem de força, garra e defesa – e Helô era uma delegada implacável, mas, ao mesmo tempo, muito vaidosa; já o vestido preto acrescido de luvas e um colar de peso comunicam uma classe singular – e Holly era uma personagem que mostrava que a elegância também podia ser simples.
Cher [Imagem: Reprodução/Pinterest]Delegada Helô [Imagem: Reprodução/Pinterest]Holly [Imagem: Reprodução/Pinterest]
No entanto, esse feito não é tão simples. Como na “vida real” o processo de conhecimento e desenvolvimento do próprio estilo, a curadoria de preferências e a definição dos elementos que vão conseguir transformar a imagem de uma pessoa na extensão da personalidade dela, da mesma maneira ocorre na criação da aparência de um personagem, e quem fica a cargo de fazer com que isso aconteça da melhor forma possível são os profissionais desse ramo da beleza artística: os figurinistas, maquiadores e cabeleireiros que ficam encarregados de exercer uma dupla transformação: despir o ator de si mesmo e vesti-lo de um novo alguém. Nesse sentido, a figurinista Flávia Botelho (no instagram como @a_figurinista) traz mais profundidade sobre as atribuições de um figurinista (que, já adiantando, faz muito mais do que escolher as roupas). “Em uma produção artística, a figurinista deve ter todo o roteiro, entender o perfil psicológico de cada personagem para criar, junto com a direção, o conceito do figurino.” De acordo com a profissional, cores, formas e elementos são avaliados e indicados para ajudar a reforçar a dramaturgia tanto de cada personagem, quanto do conjunto do elenco, “[…] a figurinista precisa entender de composição de cores, de como essas cores ficam na luz do palco ou nas câmeras, quais tecidos e aviamentos devem ser usados, como e quando usar efeitos de tingimentos ou envelhecimento para trazer vida ao figurino, por exemplo.”
Para chegar a essas definições, o ponto de partida é o diálogo: o primeiro passo para uma produção de sucesso começa no alinhamento das ideias com a equipe: “O primeiro passo é a leitura do roteiro e, em seguida, a conversa com o diretor, porque quando a gente lê o roteiro, já visualiza essa composição.” E o registro dessas ideias são, geralmente feitos por meio de croquis – um processo que pode ser diferente de acordo com o perfil de cada profissional, “Tem gente que faz primeiro uma pesquisa de referências de imagens, para depois ir refinando, até chegar no que melhor representa cada personagem. Varia, mas o principal é começar a dar forma, estabelecer cores junto com a direção de arte […] É um trabalho em conjunto!”
Porém, como se trata da criação de uma personalidade, a complexidade é inegável. Segundo Flávia, o maior desafio na construção dessa forma de comunicação é pensar com a cabeça do expectador, de alguém que não sabe nada daquela obra. “Achar quais elementos são essenciais e quais são dispensáveis; limpar toda distração, deixar de ado as questões de moda ou gosto pessoal e colocar o foco na construção do personagem, em representar quem ele é.”
E, como pessoas que são, os personagens também estão sujeitos a mudanças: de vida, de realidade e, em alguns casos, até de personalidade (tragam à memória a Clara – de Bianca Bin – em “O outro lado do paraíso”, que depois de passar por traumas profundos, ressurgiu completamente diferente, por dentro e por fora). Assim como na vida real, a aparência também reflete a essência e, ao passo em que o comportamento muda, a imagem se altera junto. Entretanto, para que a narrativa não seja prejudicada por uma mudança drástica, inesperada ou aleatória, que pode quebrar a conexão já existente com o público e despersonalizar a personagem, é de fundamental importância não deixar de manter o contato com as ideias do diretor para o enredo da trama. “Primeiro há que se entender que um filme, série, peça de teatro, antes de existir para o público, existe em um roteiro e, na maioria das vezes, essas mudanças já são previstas.” Assim, é possível planejar com antecedência como realizar essa transição sem romper com a narrativa, “Quando a construção de um figurino começa pelo perfil psicológico, ou seja, pela humanização – tornar o personagem uma pessoa – a gente também passa a entender, na trama, como essa pessoa reage, os sentimentos dela e como ela se vestiria em diversas situações, […] se fosse pobre, se fosse rica, se fosse para a guerra, para um jantar romântico, para uma entrevista de emprego, enfim. Por isso tudo começa no roteiro e na conversa com a direção!”
Inventando Anna [Imagem: Reprodução/Pinterest]Uma Linda Mulher [Imagem: Reprodução/Pinterest]
De fato, enquanto expectadores e ainda ignorantes em relação ao conteúdo que está por vir, qualquer influência visual conta para criar uma atmosfera, uma linha de raciocínio que instiga nossa imaginação em relação ao que pode acontecer. Que atire a primeira pedra – ou cancele a assinatura na plataforma de streaming – quem nunca julgou um personagem na primeira cenaem que ele apareceu, antes mesmo do coitado dizer qualquer coisa – como não interpretar Anna Delvey como uma herdeira multimilionária em Inventando Anna, ou Vivian como uma pessoa rebelde em Uma Linda Mulher? É por isso que o trabalho dos bastidores não pode ser ignorado; o figurino aguça a curiosidade e torna a encenação ainda mais convidativa aos olhos e é por meio da criação dessa imagem de mil palavras que os personagens falam antes mesmo de abrir a boca.
O segundo domingo de agosto se aproxima e com ele vem o Dia dos Pais — que nos lembra da importância de celebrar a figura paterna, seja ela qual for.
Para aqueles que amam presentear em datas especiais, a Frenezi preparou um guia exclusivo inspirado em quatro “tipos” de pais: o pai Zen; aquele mais Workaholic; o Cool, que anima qualquer ambiente; e por fim o Artista, que te indica os melhores spots, músicas e filmes. Vem com a gente!
Pai Zen
Para o Zen da família, opções que estimulem a tranquilidade são sempre boas. Que tal um kit de skincare, uma boa mala ou equipamento para ginástica ou um livro de receitas para cozinharem juntos?
O pai Artista sempre terá as melhores indicações de filmes, músicas e até aquele livro perfeito pra te tirar da ressaca literária. Para presentá-lo, aposte em coffee table books, itens de auto cuidado ou caixas de som/fones de ouvido. Sucesso na certa!
Já são quase 21h e ele ainda está pra lá e pra cá… O pai Workaholic é ligado no 220V — e uma boa pedida é pensar em presentes que podem ajudá-lo a levar a vida com um pouco mais de calma.
Esse não tem erro: possivelmente é amigo dos seus amigos, anima todas as festas de família e está sempre de bom humor. Itens úteis para o dia a dia serão o melhor investimento — a alegria dele já é um presente ❤
“Vou de Lacoste polo branca, jacaré da França” (DJ GM e Oldilla)“No estilo tchutchuco, Rei Lacoste, indomável” (MD Chefe)
Essas frases vêm de letras de músicas de funk ou trap que relatam o uso e admiração de marcas, mesmo que os mencionam sem efetivamente ganharem nada por isso. Assim como nos anos 2000, teve um crescimento no desejo e procura do tênis ‘Nike Shox’ e marcas como Oakley, crescimentos derivados pelas menções em músicas do gênero e parte da composição dos looks dos artistas, hoje isso se vê em esbanjar e mencionar outras marcas como Lacoste e Nike.
Não só marcas esportivas, mas também de luxo, como Versace e Gucci, podem fazer parte dessa cultura, mesmo que parte do público não tenha o poder de compra das mesmas. De acordo com o produtor musical, Vinci (28), que viveu grande parte da sua vida nas periferias e no meio musical, nem todos prezam pela autenticidade das peças mas isso não é necessariamente um problema: “Quando se tem dinheiro, você compra a peça original. Quando não se tem e mesmo assim quer vestir, acaba-se optando pela réplica, peças falsas. Na teoria você vai estar vestido da mesma forma. O pessoal da periferia não tem preconceito entre si, não! Quem está de Mizuno falso vai andar com quem está de Mizuno original”.
Rappers, trappers e funkeiros “trajados”, são as principais figuras de influência desse meio que divulgam e usam marcas mesmo que paguem para ter, e não para divulgar. De acordo com o produtor musical, todos querem se vestir bem e parecer o Mc famoso. “Eles querem estar com o tênis e marca do ano, e claro, usar o perfume e relógio que está em alta”.
Foto reprodução: Mc Kyan, Tropa da Lacoste
Em setembro de 2021, uma das principais e mais citadas marcas do meio, a francesa Lacoste, divulgou sua nova coleção com um vídeo dos novos embaixadores não-periféricos que, de acordo com a repercussão, não são os verdadeiros influenciadores e divulgadores da marca, por mais que tenham sido escolhidos e pagos para isso. Artistas como o rapper Kyan, autor da música ‘Tropa de Lacoste’, se manifestaram com indignação por não se sentirem representados pela marca. “As marcas não querem se associar com a periferia. Ela acha que os clientes tradicionais, que em sua maioria são da elite, vão deixar de comprar porque não querem se vestir igual o pessoal da favela se veste. A marca vai escolher quem vai usar, e sempre vai optar por quem tem o poder aquisitivo maior”, descreve Vinci à Frenezi.
Depois da repercussão negativa, a marca voltou atrás e escolheu uma das grandes representações do funk brasileiro: Mc Dricka, que tem uma música que cita a marca, para compor o time de embaixadores da marca. Porém, para Vinci, a decisão foi apenas estratégia. “A Lacoste só voltou atrás porque não queriam sofrer boicote. Os trappers e funkeiros pagam e divulgam a marca, mas são os últimos a serem escolhidos. Eles não se sentem representados.”
No começo de junho deste ano, Caverinha e seu irmão Kay Black, foram convidados a irem à Paris, França, para conhecerem a loja da Lacoste em sua sede. Para eles, é uma representação de esforço e de sonho realizado. Os fãs da marca comentaram e aplaudiram a grife pelo reconhecimento em colocarem como embaixadores os artistas que sempre a mencionaram de forma gratuita.
Camisas de time, óculos lupa ‘Juliet’ e tênis de mola são algumas das tendências de moda que ainda continuam em evidência há anos vindas da periferia que reproduzem a forte influência dos artistas que as mencionam e usam. São itens de desejo dos fãs de funk que são provenientes de um lugar onde sempre sofreram preconceito pela sua cultura. “As pessoas que tem preconceito nunca são da periferia. As roupas da favela não são vistas como moda, já que a elite dita ela. Os jovens periféricos hoje estão quebrando essa barreira de moda e trazendo o conceito da moda da favela.”
A moda se apropria do meio em que está presente, além de ser influenciada pela cultura do local. A música sempre foi um instrumento de expressão. Ela encontra seu espaço e influencia as coisas à sua volta. “O Funk e o trap contribuíram muito para a moda, já que os jovens consomem esses estilos musicais e querem ser iguais. A música é o principal influenciador da moda. Todo mundo da favela sempre quis ter essas marcas, mas não se achavam na posição de ter aquilo. Quando o pessoal da favela começa a ganhar espaço na música, eles começam a ter dinheiro e comprar, mas sem tirar o pé da favela, e isso mostra que favelado também pode. Eles querem ter o que sempre sonharam.”
Foto reprodução: Mc Ryan SP [Usando chapéu, calça e relógio Gucci]
A periferia sempre influenciou a moda, movimento que vem de décadas. Analisando a cultura como um todo, de qualquer lugar que seja, se tudo o que derivou da periferia fosse excluído por um momento, lugares desapareceriam, estilos musicais iriam parar de ser reproduzidos, roupas sumiriam até em lugares de luxo). A periferia vem cada vez mais ganhando seu espaço no palco de apresentações. Mostrando que possuem habilidades de lançarem tendências riquíssimas e duradouras. Trappers e funkeiros souberam administrar seu trabalho e influência de forma que hoje são os maiores lançadores de tendências neste meio musical.
Os festivais de música vão além de simples compilados de shows, são eventos que carregam símbolos geracionais, reunindo-os em representações culturais. A união entre música e moda sempre foi evidente, elementos que caracterizam ritmos como rock, country, pop, rap e suas variações, são constantemente introduzidos no meio fashion, influenciando não apenas o público-alvo desses estilos, mas sendo incorporados nos demais.
Tommy Hilfiger Spring 2015 [Reprodução/Dazed]
Estes eventos surgiram na Grécia Antiga, com caráter competitivo, como uma forma de cultuar o deus Apolo, ligado à música e às artes, durante os Jogos Píticos. Durante a Idade Média, foram dissociados dos esportes, mas mantiveram a competitividade. Só após a Revolução Francesa, os músicos e compositores ganharam admiração e prestígio na alta sociedade, esta, que enfrentava longas viagens para escutar os seus “ídolos”, o que influenciou a criação do Bayreuth Festival,na Alemanha, no ano de 1876, o primeiro a apresentar a música como ponto principal, reunindo performances de óperas e dramas musicais, do compositor Richard Wagner; seu impacto foi tanto, que se tornou um evento anual, que acontece até a atualidade — sua mais recente edição ocorreu em agosto de 2021.
Glastonbury Festival – [Imagem: Reprodução/British Vogue]Glastonbury Festival – [Imagem: Reprodução/British Vogue]Glastonbury Festival – [Imagem: Reprodução/British Vogue]
Foi apenas no século XX, com a disseminação da música popular, principalmente, do jazz, que os festivais ganharam o formato similar ao que vemos hoje. Não demorou para que o rock e outros ritmos alternativos, também aderissem ao modelo. Um grande marco para a contracultura, da década de 60, foi o festival de Woodstock, que ocorreu em agosto de 1969, iniciando a “Era de Aquário”. Os “3 dias de paz e música”, questionavam os costumes e valores morais do tradicional estilo de vida estadunidense, através do movimento hippie, que estava em seu auge e, não por coincidência, caracterizou a moda dos anos 70. O lema “seja você mesmo” de Woodstock, serviu como inspiração para diversos festivais, que levam a liberdade como preceito principal, como o Coachella, também nos Estados Unidos e, o Lollapalooza e Rock in Rio, aqui no Brasil.
Festival Woodstock [Reprodução/ Pinterest]
Há quem os considere ‘semanas de moda ao ar livre’, por abrirem espaço para manifestações de estilo, que vão além do simples street style. Através de produções cheias de personalidade, o público divide os holofotes com os artistas; encontram nesses eventos, a liberdade de expressão que não lhes é possível no dia-a-dia. Desta forma, o Coachella conseguiu chamar a atenção de marcas, como Lacoste, Adidas, Revolve e H&M e, de veículos como Harper’s Bazaar, que já prestigiaram e patrocinaram o evento. A partir do exemplo internacional, C&A, Chilli Beans e Adidas, fizeram suas apostas em festivais nacionais, como Rock in Rio e Lollapalooza.
Mas o sucesso dos shows não traz lucros apenas para seus investidores, lojas de departamento perceberam o ‘boom’ nas vendas, durante os períodos pré-festivais; a procura por roupas e acessórios nos estilos Grunge e Boho Chic costuma ser tão grande, em datas próximas ao Coachella, que a Forever 21, frequentemente, lança coleções inspiradas no evento – franjas, bandanas, kimonos e jeans são indispensáveis.
Os estilos Rocker, Grunge, Indie, Punk, Hipster (que marcou a era Tumblr) e Boho Chic – variação do Hippie, com um toque Country – são característicos desses eventos, mas engana-se quem pensa que eles se restringem aos festivais; celebridades como Bella Hadid, Kesha, Cara Delevingne e Jaden Smith, levaram franjas, spikes e tecidos flanelados, também para os tapetes vermelhos.
Kendall e Kylie no Coachella de 2016 [Reprodução/Pinterest].
Nas passarelas, estes estilos já apareceram inúmeras vezes, mas, ao falar em festivais, precisamos mencionar a coleção Spring 2015 da Tommy Hilfiger, durante a New York Fashion Week, que foi inspirada nos festivais de Rock da década de 70, homenageando The Beatles, Jimmy Hendrix e The Who; Hilfiger apresentou elementos icônicos, como pele (sintética), vinil, coletes, calças flare, patchwork, metalizados e composições all jeans, além dos motivos de estrelas e caveiras, que estampavam as peças. O desfile contou com presenças ilustres de Georgia May Jagger – filha do astro Mick Jagger – que abriu o catwalk e, Ella Richards – neta do guitarrista Keith Richards, também da The Rolling Stones.
Tommy Hilfiger Spring 2015 [Reprodução/Pinterest].
Com o avanço da vacinação contra a COVID-19, controle da pandemia e consequente retorno dos shows, após 2 anos de eventos cancelados, percebe-se, atualmente, a volta destes estilos e tendências – antes do esperado – simbolizando o anseio, pela tão aguardada, retomada das programações musicais.
Aconteceu nesta segunda-feira (01/05) o tradicional MET Gala, que, após dois anos, volta a ser celebrado na primeira segunda-feira de Maio – como historicamente sempre aconteceu. Com o tema “Gilded Glamour”, o evento abriu a exposição da ala de indumentária do museu nova iorquino, que desta vez é intitulada “In America: an anthology of fashion” e exibe uma coleção de indumentária americana datada dos séculos XVIII E XIX.
“Gilded Glamour” nada mais é que a era dourada da história estadunidense, período que vai de 1870 a 1890 e é marcado pela efervescência cultural, ascensão econômica e desenvolvimento interno do país.
A Frenezi fez a cobertura completa do evento, e agora destaca abaixo as principais tendências apresentadas pelos convidados no tapete vermelho.
[Reprodução: Vogue Runway].
CORSET
Peça tradicional da indumentária do século XIX, o corset era utilizado pelas mulheres por debaixo das roupas, com o intuito de afinar a cintura e garantir a tradicional silhueta em S característica no período. Mas é claro que, em 2022, com os padrões de beleza redefinidos e com novas perspectivas sociais, os convidados do MET Gala re-interpretaram a peça de maneira contemporânea e atual: Gigi Hadid veste macacão Versace em látex com corset da mesma cor e aparente, de maneira a fingir que a peça faz parte da roupa; já Lizzo e Precios Lee – que vestem, respectivamente, Thom Browne e Altuzarra – redefinem instantaneamente o imaginário de moda associado à peça justamente por serem mulheres gordas vestindo-a de maneira aparente e pouco ajustada; E Evan mock vai além – em seu conjunto de terno, assinado pela grife espanhola Palomo, o corset é acoplado ao blazer, criando assim um diálogo entre o feminino da era dourada e o dos tempos atuais.
[Reprodução: Vogue Runway].
BORDADOS E APLICAÇÕES
Para muitas convidadas o tema “Glamour dos tempos dourados” foi levado ao pé da letra: bordados, brilhos e aplicações mil deram o tom de diversos looks da noite – o que já era de se esperar, já que a indumentária dos mais ricos da época era fortemente bem executada e assessorada de maneira luxuosa. Dentre os favoritos, Kim Kardashian cruzou as escadarias do museu vestindo o icônico vestido “Happy Birthday Mr. President”, utilizado por Marilyn Monroe em 1962. Polêmicas à parte, a peça foi emprestada por um museu e é toda trabalhada na aplicação de cristais, resultando em um valor estimado de 5 milhões de dólares. Já Olivia Rodrigo e Cardi B recorreram à marca certa para garantir o look glamouroso: ambas vestem Versace ultra brilhosos, sendo o de Cardi composto por mais de 1Km de correntes douradas. Kaia Gerber foi mais uma que também explorou a tendência: a modelo veste custom Alexander Mcqueen, em um mix de rendas, bordados e aplicações que são a personificação do glamour da noite.
[Reprodução: Vogue Runway].
OMBROS À MOSTRA
A silhueta clássica desta era dava destaque ao busto e às clavículas – ao colo, como um todo – cobrindo totalmente ou em partes os ombros, com raras exceções. Mas, no MET deste ano, a exceção virou regra: Nicola Peltz, Carol Trentini, Maude Apatow e Anitta são alguns dos nomes que aderiram aos ombros à mostra, que garantem elegância e sex appeal na medida certa para o evento. Valentino, Danielle Frankel, Miu Miu e Moschino são as marcas que, respectivamente, as quatro vestem.
[Reprodução: Vogue Runway].
LUVAS
Item praticamente essencial na indumentária do século XIX, as luvas ¾ são também uma das fortes tendências da temporada, resultando, logicamente, em diversas aparições do acessório no tapete vermelho do baile. Khloé Kardashian, em seu primeiro MET Gala, veste um modelo custom Moschino, que é assessorado com luvas em cetim preto e desenho assimétrico; já Blake Lively, co-anfitriã e favorita da noite, complementa seu look princesa-versace com luvas do mesmo tom do vestido; Carol Trentini, mais ousada, adere aos modelos do acessório em couro, assim como vimos desfilar por diversas marcas na temporada passada; e Sza vai além: os modelos de luva utilizados pela cantora, que veste Vivienne Westwood, são em látex.
[Reprodução: Vogue Runway].
GÓTICO SUAVE
Cores sóbrias e em tons de preto não faziam exatamente parte da cartela de cores da época, mas, esses foram os tons escolhidos por celebridades de peso como Bella Hadid, Kendall Jenner, Irina Shayk e Karlie Kloss para compor seus looks e entregar um visual que beira o gótico – se utilizando de makes pesadas no mesmo tom e acessórios em couro e renda. Irina e Bella vestem Burberry, marca que apenas entregou preto como cor nos looks vestidos por celebridades: Bella aposta em um visual sexy e dark, fazendo uso de corset em couro e luvas e meia calça em renda; já Irina foge completamente do tema e entrega um look total em couro – com jaqueta, camisa, gravata, corset, luvas e calça no material. Kendall Jenner é mais fiel ao mood da noite: a modelo, que veste Prada, se apropria da silhueta do período ao mesmo tempo em que entra no mood dark – o look é todo em preto, finalizado com olhão no mesmo tom e sobrancelhas descoloridas. Vestindo Givenchy, a icônica supermodelo Karlie Kloss complementa o look dark todo em renda com um olhão preto no mesmo tom e boca vinho super escura.
Durante a nossa vida escolar, os livros de história nos bombardeiam com eventos catastróficos que permeram a vida humana na Terra. Guerras, epidemias, desastres naturais e dentre todos eles, não houve um sequer evento que não influenciou diretamente a forma como as pessoas se vestem. Pensar em moda como uma linguagem de comunicação intrínseca ao homem, é pensar em moda como um aspecto cultural que é capaz de se inovar a cada transformação que a humanidade passa.
É necessário compreender a moda como um agente influente na economia mundial, não só pelo seu caráter artístico ou cultural, a indústria da moda é um dos setores que mais movimenta capital no mundo. Somente no varejo online, a moda é o setor que mais lucra entre os e-commerces, reportando um faturamento entre USD$525 bilhões por ano e sua média de crescimento espera atingir a casa do trilhão até o ano de 2025.
No Brasil, mais de 8 milhões de pessoas fazem parte da cadeia produtiva da indústria da moda, sendo que 60% desses trabalhadores são mulheres, segundo a Associação Brasileira da Indústria Têxtil (ABIT). Isto significa que insistir no debate retrógrado que julga a indústria da moda como supérflua e desnecessária só impossibilita o potencial político que a moda pode ter em períodos críticos.
Operárias mulheres trabalhando em fábricas europeias durante a Primeira Guerra Mundial. [FOTO: Reprodução – Reuters/ Archive of Modern Conflict London]
Ao traçar uma linha do tempo, percebemos que em cada momento em que a humanidade passou por uma grande crise, seu guarda roupa consequentemente passa também por uma transformação. Quando avaliamos os períodos caóticos do século passado, que são momentos historicamente não muito distantes do que se vive hoje, é nítida a mudança de vestuário ao longo deste século, desde a Primeira Guerra, passando pela Crise de 29, Segunda Guerra, Crise do Petróleo, e outros vários eventos que implodiram na história.
A Grande Guerra ou Primeira Guerra Mundial, foi a primeira guerra que de fato revolucionou a indústria têxtil de modo como nenhuma outra crise humanitária mundial foi capaz de fazer até então. Com a eclosão da Guerra, grande parte dos homens tiveram que deixar seus lares com a obrigação de servirem seu país no serviço militar, o que desencadeou o aumento exponencial da classe trabalhadora feminina nas fábricas e nos negócios em toda Europa que viram necessidade de mudar o uniforme e a roupa cotidiana das mulheres.
A guerra mudou o horizonte da moda em muitos sentidos, mas o protagonismo francês na indústria soube se manter intacto. Mesmo com os horrores da guerra, um sentimento negacionista tomou conta dos profissionais do mercado, e ao longo do primeiro ano de guerra estilistas e veículos de comunicação da época como o The Queen, no Reino Unido, mal comentaram sobre os eventos que se sucediam.
Na metade dos anos 10, a moda se viu obrigada a mudar e o que gerou o abandono doo corset do guarda-roupa feminino e o encurtamento da bainha das saias, refletindo diretamente na mudança de papel social e econômico que a mulher teve, de uma mãe e dona de casa para uma operária fabril. Levando em conta que somente na França a indústria têxtil foi responsável pelo sustento de 34% das famílias da classe proletária, país este que foi um grande agente tanto na Primeira como na Segunda Guerra, é de se imaginar o impacto que esse setor teve na vida e na moda da época.
Foi só a partir de 1915, que as primeiras referências militares começaram a nascer no design dos modelos da época. No vestuário feminino, casacos de corte discreto e silhuetas com uma cintura levemente marcada, além disso foi nessa época que as roupas femininas começaram a adquirir bolsos como compartimentos de utilidade, bolsos chapados e espaços, o que só aumentou ainda mais o eco militar na indumentária.
Durante os anos em conflito, as fábricas de tecido se viram encurraladas a focar suas operações na fabricação e entrega de materiais que serviriam de insumo para uniformes militares. Como a maior parte da indústria têxtil focava sua produção nos tecidos naturais como o couro e o algodão, consequentemente esses materiais foram os principais produtos direcionados para confecção do vestuário militar, o que causou sua escassez no estilo civil. Assim, as primeiras peças sintéticas de roupa como o Acetato e Rayon Viscose começaram a ganhar sucesso justamente nesse período onde não se podia mais depender unicamente das fibras naturais.
O maior legado que a Primeira Guerra deixou em termos de vestuário no geral, foi sem sombra de dúvidas o foco na praticidade no cotidiano. Blusas de algodão ou seda sem abotoamento, a “extinção” das quatro mudas de roupas por dia em prol dos looks diurnos e noturnos, além das “novidades” da época em tecnologia têxtil.
Propaganda sobre a ‘Nova fibra milagrosa’, o Nylon. [FOTO: Reprodução – Blog Descalada]
A moda como um todo se voltou para os conflitos, e grandes nomes da indústria como o próprio Paul Poiret foi convocado pelo exército francês e esteve presente na confecção de uniformes militares. À medida que a silhueta feminina se alargava e a paleta de cores escurecia, a indústria da moda se viu encurralada pelo sentimento de perda e limitada nestes tempos de escassez.
Logo depois, o mundo foi imerso em uma série de eventos que continuariam a impactar o vestuário da época como a infestação da Gripe Espanhola, as festas regadas a álcool e drogas dos anos loucos de 1920 e em seguida mais uma vez, uma Segunda Guerra que viria a acabar com a vida de 40 milhões de pessoas em toda a Europa. A partir da popularização do nylon, com o início da Segunda Guerra, as grandes fábricas têxteis se voltaram para a produção em massa da fibra para atender as necessidades dos exércitos na fabricação de mangueiras, cintos e outros artigos de vestuário militar.
Por conta do foco em atender as atividades bélicas, o nylon deixou de fazer parte da produção de meias calças femininas, e só após a segunda metade dos anos de 1940 que a indústria têxtil volta a ter esse olhar para as mulheres. Enquanto isso, a popularização das calças entre as mulheres e as máscaras de gás foram gradualmente afirmando seu espaço no dia-a-dia das pessoas, por conta dos constantes ataques de bombas de gás direcionados aos civis durante os anos de conflito.
Máscaras de gás [FOTO: Reprodução/ Aventuras Na História]
Rapidamente após a primeira declaração de guerra, os designers da época se mobilizaram em oferecer modelos já pensados no contexto de conflito. O próprio governo da França só permitiu que os estilistas envolvidos nas confecções de roupas militares tivessem duas semanas para lançarem suas coleções de Outono/Inverno com a iminente guerra. Com a ocupação alemã em solo parisiense, a moda nacional se dispersou e as notícias de novas criações fashion não eram divulgadas da mesma forma como antes, e mesmo assim a moda soube sobreviver aos anos de escassez de insumos.
Os estilos civis não tiveram mudanças somente por conta das restrições de regras utilitárias, o guarda-roupa feminino, por exemplo se preocupava em sempre manter a boa aparência ao mesmo tempo que tinha de ser prática para vida domiciliar e a carreira profissional, enquanto que o vestuário masculino civil tornou-se cada vez mais informal, com camisas de pescoço aberto e calças de flanela ou tecido canelado começaram a substituir os ternos e gravatas.
O saldo da guerra foi uma Europa devastada, a potência estadunidense à todo vapor tanto no cenário econômico quanto no mundo fashion, nos primórdios do que viria a ser a Guerra Fria. Na década seguinte, o estilo utilitário seria deixado em segundo plano que a ultra-feminilidade seria o ponto em foco da moda, só confirmando o efeito pêndulo do mercado pré e pós eventos catastróficos da história humana.
A modelo Poly Kyrychenko, acompanhada de amigas, protesta contra a guerra durante a semana de Moda em Paris. [FOTO: Reprodução/In Magazine]
Um século após a Primeira Guerra, o mundo se encontra vivendo novamente esse ciclo de eventos entre a guerra na Ucrânia ocasionada pela invasão da Rússia enquanto ainda tenta se ajustar às sequelas que a pandemia da COVID-19 deixou.
Momentos como este nos fazem questionar sobre a relevância da moda e como ela age e deve agir, enquanto milhares de vidas são destruídas. Tirar um tempo para se preocupar com roupas em eventos assim pode soar até um tanto presunçoso, mas é exatamente em instantes difíceis como este que a moda foi capaz de revolucionar a maneira de viver das pessoas. Da mesma forma que ocorreu no passado, não seria diferente que o potencial político e social da moda se manifestasse na atual conjuntura que o planeta se encontra.
Em plena temporada de Outono/Inverno 2022, durante as semanas de moda que ocorriam nas maiores capitais do mundo fashion, a invasão russa em território ucraniano tomou os holofotes de todos os veículos de comunicação e foi impossível a comunidade fashionista se manter indiferente diante do início de um horror que todos presenciam até hoje, dois meses após o primeiro ataque do exército de Vladimir Putin, em 24 de fevereiro deste ano.
Ao longo dos dias com a pressão da imprensa sobre o assunto, e o aumento das manifestações à favor da Ucrânia tanto no ambiente digital como nas portas dos desfiles, que os gigantes da indústria fashion se viram obrigados a tomar partido e se posicionar, até porque é o primeiro conflito em solo europeu desde a Segunda Guerra.
Manifestantes ucranianos pediram o apoio da comunidade fashion pelas redes sociais e o fim de qualquer relação comercial com a Rússia, incluindo os grandes conglomerados de luxo e os canais de comunicação dentro da moda. Dentre as iniciativas, um manifesto assinado por mais de 1500 profissionais do ramo como a designer italiana Angela Missoni, o fotógrafo Nick Knight, entre outros, repudia a violência russa.
“Lutamos continuamente por um mundo onde a expressão criativa, o intercâmbio cultural e a colaboração possam florescer. A violência da invasão russa vai contra tudo o que defendemos… A moda tem poder, e em tempos de crise é fácil descartar esse poder… mas somos uma cadeia de suprimentos que conectam países do mundo todo” declara o texto.
Uma das primeiras grifes a se posicionar em relação ao confronto foi a marca húngara Nanushka, o próprio CEO, Peter Baldaszti, deu uma declaração sobre o fim das vendas em território russo afirmando que a decisão foi necessária levando em consideração os valores morais da marca. Além disso, Baldaszti deixa claro que “esta é uma decisão financeira relevante para a marca”.
Tanto a Nanushka como outras marcas de luxo, tiveram suas relações comerciais afetadas pelo embargo comercial, levando em conta o grande investimento de oligarcas e milionários russos no mercado da moda, uma das poucas que não teve o mesmo azar foi a Bvlgari, que teve um aumento de vendas dentro da ex-União Soviética.
Look 1, Nanushka temporada de Outono/Inverno 2022. [FOTO: Reprodução/ Vogue Runway]
LVMH e grupo Kering afirmaram que seu plano de apoio seria por meio de doações de valores não divulgados ao Comitê Internacional da Cruz Vermelha e à Agência de Refugiados da ONU, respectivamente. Assim, os gigantes da indústria seguiram o “efeito manada” e continuaram um por um com suas declarações sobre doações e bloqueios comerciais, como uma forma de auxílio aos vizinhos do leste europeu.
Outras marcas lançaram suas campanhas de doações às ONG’s que se movimentaram para atender os refugiados e além disso suspenderam suas vendas na Rússia, como foi o caso da Adidas que tirou seu patrocínio da Federação Russa de futebol, e marcas como Chanel, a rede varejista H&M e Boohoo
Por outro lado, houveram grifes que decidiram “ir além” e tomar partido durante os desfiles, como foi o caso da Balenciaga sob direção criativa do Demna Gvasalia. Ele mesmo já passou pelo terror de ser um refugiado como os ucranianos, com a invasão russa na Geórgia em 2014, seu país natal. “O mesmo agressor, talvez até os mesmos aviões que fizeram isso conosco. E vendo isso, fiquei pensando: ‘O que estamos fazendo aqui, com moda? Devo cancelar? mas não: decidi que devemos resistir.”, disse Gvasalia.
Toda a ambientação da passarela girou em torno de um meio insalubre e quase inóspito, com quilos de neve em meio à uma “intensa” nevasca, os modelos desfilavam em uma plataforma ‘em meia lua’ segurando grandes sacos em pesadas roupas de inverno e óculos em formato de olhos de mosquito à la Gvasalia. O desfile foi a representação da peregrinação distópica nas péssimas condições que os refugiados ucranianos têm passado nos últimos dois meses. Gvasalia também incorporou à coleção as cores da bandeira ucraniana em homenagem aos refugiados.
Gvasalia não foi o único a falar sobre o assunto abertamente durante um desfile, Giorgio Armani aproveitou o momento e deu também seu parecer. O evento foi aberto com uma fala em inglês do próprio designer italiano.
“Minha decisão de não usar música no show foi tomada como um sinal de respeito às pessoas afetadas pela tragédia em evolução.”, declarou Armani. Em conjunto com essa fala, o Grupo Armani foi responsável pela doação de 500 mil euros pela arrecadação de fundos pela Organização das Nações Unidas para Refugiados (ACNUR).
Ao sair da ajuda monetária o Grupo Armani também declarou um iniciativa de auxílio envolvendo o vestuário, de acordo com a empresa seria realizado doações de roupas essenciais ao refugiados feita pela Comunidade de Sant’Egidio, organização católica sediada em Roma com um histórico em ajuda à refugiados e mediação de paz.
Look 46, Giorgio Armani coleção de Outono/Inverno 2022. [FOTO: Reprodução/ CNN]
Diversas vezes o homem foi afetado por guerras ou crises, e assim a moda como um direto reflexo do estado de espírito deste homem, renasce; seja como válvula de escape, seja como portal de voz. Mas levando em conta a moda e todas as variáveis comerciais que envolvem essa indústria avaliada em milhões de dólares, até onde a moda ultrapassa o senso de agir de boa fé em prol dos afetados, e começa a agir pelo simples e bom marketing para atrair o holofote midiático?
Porque é fácil mostrar apoio e interesse em se posicionar em momentos onde o foco de todos os veículos de comunicação gira em torno da crise. Avaliar a transparência e honestidade das marcas que prometeram auxílio nos próximos meses é o caminho para tirarmos a limpo o papel ativista que o mercado de moda tem tomado para si nesses últimos eventos caóticos.
Não falta muito para podermos esmiuçar os impactos que o momento pode gerar no vestuário, mas há a certeza de que, nestes tempos conturbados como os de hoje com uma guerra atrás de uma pandemia, a moda está cada vez mais dinâmica e com tendências de ritmos desenfreados. Acima de tudo, tirar um instante de reflexão sobre o papel da moda tanto dentro do nosso cotidiano como em contexto maiores, como uma guerra ou um cenário econômico, é o início de toda mudança capaz de nascer dessa indústria. “Em tempos difíceis, a moda é sempre escandalosa”, Elsa Schiaparelli.
Alina Friendiy, influenciadora ucraniana em protesto à invasão ucraniana. [FOTO: Reprodução/Instagram]
Continuando a cobertura oficial da Frenezi sobre o baile do Met de 2022 — qual aconteceu na primeira segunda-feira de maio (02) como tradição —, o evento contou com os co-anfitriões Regina King, Blake Lively, Ryan Reynolds e Lin-Manuel Miranda.
Todos os anos desde sua fundação, o baile do Met (que foi criado como uma forma de arrecadação de fundos para o costume institute do Museu Metropolitan em Nova Iorque) tem um tema de vestimenta para seus convidados que sempre representa de certa forma a exposição anual do instituto de figurinos no museu. Para este ano o tema foi ‘Gilded Glamour’, um opulente momento da história estadunidense que data entre 1870 e 1890, de efervescência cultural, inovações tecnológicas e mudanças no vestuário.
Entenda mais sobre o tema do Met Gala 2022 em nosso texto especial apenas sobre ele, disponível aqui.
A editoria de Moda selecionou alguns grandes momentos desta segunda-feira, e entre os melhores (e os piores) looks temos alguns memoráveis para a história do baile:
Blake Lively de Atelier Versace (Reprodução/Vogue Runway).
Blake Lively
Blake Lively trouxe em seu design um dos símbolos mais importantes de Nova York: a Estátua da Liberdade. Usando custom Versace e se adequando à época do tema, o modelito é um vestido longo com luvas de ópera e laçarote. Em determinado momento do red carpet, a capa ouro-rosada é solta e apresenta a segunda cor: o azul. A Estátua da Liberdade chegou em NYC em 1885 durante a Gilded Age e, inicialmente, foi construída em cobre, mas com o tempo oxidou fazendo com que se tornasse azul.
(Reprodução/Vogue Runway).
Emma Chamberlain
Transitando entre a Gilded Age e a atualidade, a influencer Emma Chamberlain — embaixadora da Louis Vuitton — vestiu um look custom da marca que dividiu opiniões: a parte superior, em tom amarelo com babados, drapeados e mangas estilo princesa remete à Idade Dourada, enquanto a saia branca, justa e lisa, traz um aspecto mais moderno, marcando a dicotomia da produção.
(Reprodução/Vogue Runway).
Lizzo
Lizzo chegou ao Metropolitan Museum tocando uma flauta The Dryads Touch, adornada em ouro 18k — considerada a mais bonita do mundo. E por cima do vestido preto, em estrutura de espartilho e com recortes na parte inferior, a cantora vestiu uma verdadeira obra de arte: um longo casaco preto, com bordados dourados, custom Thom Browne, que foi desenvolvido em cerca de 22 mil horas — equivalente a 916 dias, ou seja, aproximadamente 2,5 anos. Levou a sério o Gilded Glamour!
(Reprodução/Vogue Runway).
Taylor Hill
A modelo Taylor Hill apostou num vestido com decote ombro-a-ombro, em cetim azul, da designer Miss Sohee. A junção da cintura marcada pelo corpete com flores bordadas, a cauda e as botas over the knee, em mesmo tecido, com amarração frontal, resultou numa belíssima silhueta, trazendo o volume característico da Idade Dourada. Um dos melhores momentos de moda da noite.
(Reprodução/Vogue Runway).
Laura Harrier
Laura Harrier usou custom H&M, em colab com Victor Glemaud. A estrutura em corset, combinada à saia ampla e volumosa — criada a partir de uma anágua original da época — marcarou a clássica silhueta em ampulheta, enquanto o tecido brilhante trouxe um toque moderno. Para compor o look, sua stylist Danielle Nachmani escolheu um colar de pérolas criado por David Yurman — designer que já assinou diversas joias utilizadas pela atriz.
(Reprodução/Vogue Runway).
Nicola Coughlan
Talvez um dos principais nomes da noite, a atriz Nicola Coughan (mais conhecida por seu papel como Penelope na série ‘Bridgerton’) parece ter se juntado ao grupo seleto de celebridades que se arriscam ao tema proposto. Em sua estreia no Met Gala a atriz optou por trabalhar ao lado de Richard Quinn — designer britânico —, e sua escolha, apesar de repreendida por muitos pelos tons usados, foi totalmente de acordo com a proposta desta edição. Nicola passou pela escadaria do MET num vestido rosa e preto com mangas bufantes e pontilhado com flores, que exala Gilded Glamour. O pecado talvez tenha sido a escolha dos cabelos soltos e escorridos — mas diante do que foi apresentado por outras celebs na noite, nós deixamos passar!
(Reprodução/Vogue Runway).
Anitta
Em seu segundo Met Gala, Anitta seguiu o tema proposto. E à risca. Usando um custom Moschino, roxo — cor associada à alta sociedade da época, visto que o pigmento púrpura era bastante raro e caro — com cintura marcada pelo espartilho e contrastando com o volume na região do quadril, a peça tinha como adornos e acessórios as pérolas, que trouxeram ainda mais glamour para a produção da nossa Girl from Rio. Com certeza um grande momento!
(Reprodução/Vogue Runway).
Kaia Gerber
A aparição de Kaia na primeira etapa do Met Gala, a ‘In America: a Lexicon of Fashion’, em um vestido Oscar de la Renta foi extremamente consistente e aclamada — o que infelizmente parece não ter acontecido nesta edição de 2022 e segunda parte do evento, ‘In America: An Anthology of Fashion’, em que a proposta era explorar a era dourada estadunidense. Apesar de ter escolhido um modelo Alexander McQueen (marca em que Kaia esteve presente nas passarelas desde seu início como modelo) dourado — o mais próximo da proposta — e com detalhes em franjas metálicas e muito brilho, o vestido parece não ter sido a melhor opção. Em um tema que buscava apresentar ao público as grandezas do país norte-americano, o combo Kaia x McQueen deixou o dever de casa de lado, a não ser pela escolha do cabelo — em cachos — que parece ter sido a atração principal.
(Reprodução/Vogue Runway).
Kim Kardashian
Kim Kardashian protagonizou um dos momentos mais impactantes do Met Gala 2022 aousar o vestido cravejado de cristais (assinado por Bob Mackie, em seu primeiro projeto de pós-graduação) pertencente a Marilyn Monroe, utilizado pela atriz em 1962 durante o polêmico “Happy Birthday, Mr. President” no aniversário de 45 anos do ex-presidente dos Estados Unidos, John F. Kennedy. O vestido é uma verdadeira relíquia e estava exposto no museu Ripley’s Believe it or Not, em San Francisco. Por ser um acervo tão importante, não poderia ser alterado — por isso Kim precisou emagrecer cerca de 7 quilos em 3 semanas para que pudesse vestir a peça sem danificá-la.
O original foi usado apenas para uma sessão de fotos antes do evento, e durante a noite Kim usou uma réplica do modelo. Ainda assim, o ato foi criticado por especialistas em conservação do próprio Costume Institute, que julgaram como uma situação arriscada visto que o design é a vestimenta mais cara já leiloada da história, vendida por U$4,8 milhões. Apesar de fugir do dress code da noite, Kim se adequou ao tema da exposição como um todo ao usar um dos vestidos mais importantes da história da moda estadunidense, no mais importante evento fashion que tinha como proposta central a história da moda dos EUA.
(Reprodução/Vogue Runway).
Kylie Jenner
Kylie Jenner prestou homenagem ao seu falecido amigo Virgil Abloh usando um dos looks da sua última coleção: o vestido de noiva que encerrou o desfile. Em 2020, ela havia dito a ele que usaria um design da Off-White para o Met, mas o evento foi cancelado por conta da pandemia e infelizmente ele não pode ver em vida este momento. Portanto, Kylie escolheu o evento de segunda-feira para prestigiar Abloh e a marca. O vestido é branco e longo, e ela inseriu um boné fazendo referência ao streetwear de Virgil.
(Reprodução/Vogue Runway).
Rosalía
Para esta edição do Met Gala, Rosalía usou custom Givenchy Haute Couture desenhado por Matthew M. Williams. O vestido era um longo em tule de seda, de tom marfim, repleto de adornos e cristais cravejados, que foi combinado à bolsa e luvas bordadas, joias e óculos de sol (tudo também Givenchy) que trouxeram um toque moderno. O look da Motomami se adequa à estética Gibson Girl — mas passou bem perto do tema, vai!?
(Reprodução/Vogue Runway).
Shawn Mendes
Não é segredo algum que a maioria do público masculino opte por ternos pretos, básicos e convencionais, seja qual for o tema. Este é um caso também específico de Shawn Mendes. Entretanto, nesta edição de 2022 o astro se permitiu arriscar e tentar seguir um pouco o tema apresentado — mesmo que não tenha sucedido 100% na tarefa. Em seu terninho Tommy Hilfiger, o cantor parecia mais saído diretamente das produções de Bridgerton (com semelhanças com o personagem Anthony) ou de alguma produção da Disney do que da Era Dourada norte-americana em si.
(Reprodução/Vogue Runway).
Bella Hadid
Em referência à obra ‘Retrato de Madame X’, feita em 1884 pelo artista John Singer Sargent — que está exposta no próprio Metropolitan Museum of Art —, a supermodelo Bella Hadid usou um vestido preto Burberry, em corset, com saia fluida cuja abertura lateral revelava a meia calça em renda. Não podemos esquecer da tornozeleira de pérolas, que roubou todos os holofotes. O design foi uma ode à primeira versão do quadro, que foi ridicularizada pela sociedade da época por conta da vestimenta muito sugestiva da pintura.
(Reprodução/Vogue Runway).
Billie Eilish
A cantora Billie Eilish foi uma das celebridades que mais se adequou ao tema do baile. Usando Gucci, fez homenagem ao ‘Retrato de Madame Paul Poirson’ de 1885, por John Singer Sargent, conhecido por fazer retratos da sociedade sobre a moda. As cores do vestido e a silhueta vão de encontro à Gilded Age, e com um toque de personalidade, ela insere a gargantilha preta.
(Reprodução/Vogue Runway).
Adut Akech
A supermodel Adut Akech encantou a todos com um vestido verde esmeralda vintage de Christian Lacroix para Shrimpton Couture (da coleção Outono/Inverno de 2003), em modelo ombro-a-ombro, com bordados na região da cintura e detalhes em azul turquesa. Inspirado na pintura da árvore da vida que decora a escadaria do Chateau-sur-Mer, construído em 1852 em Newport, o local foi um marco da alta arquitetura Vitoriana, e redecorado seguindo o estilo do Segundo Império francês durante a década de 70.
(Reprodução/Vogue Runway).
Olivia Rodrigo
Em vestido custom Versace de malha metálica lilás, com abertura lateral, o modelo vestido por Olivia remetia ao vintage, porém com elementos modernos: combinado a luvas de tule em um tom mais claro e adornos de borboletas nos cabelos, a cantora apostou numa estética mística, sonhadora e glamourosa — mas que ainda assim exalava seu estilo teen rockstar.
(Reprodução/Vogue Runway).
Cardi B
Com uma entrada triunfal ao Metropolitan Museum of Art, Cardi desfilou pelo tapete vermelho do evento com um atelier Versace todo em joalheria dourada, talvez sendo a referência mais literal ao Gilded Glamour proposto — mas que apesar da distância com a proposta real, não deixou o bom gosto de lado.
(Reprodução/Vogue Runway).
Normani
Vestindo Christian Siriano, Normani entregou o que talvez tenha sido um dos principais looks da noite. A cantora optou por um look all black, mas que trouxe as referências e a silhueta da Era Dourada para uma pegada totalmente moderna e sexy que se encaixa completamente com seu estilo. Se uma das propostas entre a dupla Normani e Siriano era quebrar as regras, fizeram isso muito bem!
(Reprodução/Vogue Runway).
Sarah Jessica Parker
Sarah Jessica Parker desfilou pela escadaria do Met em um custom Christopher John Rogers homenageando Elizabeth Hobbs Keckley, escritora e primeira mulher negra — que nasceu em situação de escravidão — a se tornar modista da Casa Branca, durante o mandato de Abraham Lincoln. A saia volumosa traz a clássica silhueta da Gilded Age, já a estampa quadriculada do modelo usado pela nossa eterna Carrie Bradshaw faz referência a um dos designs mais importantes criados por Keckley, para a então primeira dama Mary Todd Lincoln.
(Reprodução/Vogue Runway).
Katy Perry
Talvez um dos poucos nomes de destaque da noite, a artista Katy Perry surpreendeu ao posar no red carpet com um vestido assimétrico — nos tons de creme e preto — com rendas florais, da marca também norte-americana Oscar de La Renta. Sem deixar de ser excêntrico, discreto (se comparado às últimas escolhas da cantora nas edições passadas do Met) e também sexy, a peça ainda trouxe algumas referências a vestimenta e obras de arte da época pretendida a ser abordada. O look foi completo com a presença de luvas — bastante protagonistas na época —transparentes.
(Reprodução/Vogue Runway).
É… Talvez Anna Wintour não tenha acertado no tema para a edição de 20022 — em geral, não houve grande aderência — e ainda assim, o Met é sempre uma experiência para os amantes da moda. Qual foi o seu look favorito da noite
Uma análise intimista sobre o impacto de O Diabo Veste Prada no imaginário cultural e o que faz desse filme uma obra-prima cinematográfica
Baseado no livro de mesmo nome da autora Lauren Weisberger lançado em 2003, O Diabo Veste Prada inova quando ao se tornar uma das poucas exceções da máxima “o livro sempre é melhor que o filme”. Um marco da cultura pop do século XXI, o longa se consagra como um dos melhores filmes já feitos desde, bom… sempre (de acordo com esta que escreve, pelo menos). Constantemente citado nas redes sociais, referência para outros filmes e uma eterna fonte de inspiração, O Diabo Veste Prada foi, e ainda é, a porta de entrada para vários amantes de moda e cinema.
O livro
O ano é 2003. A efervescência da virada do século se reflete na moda, que, cada vez mais rápido, muda com a evolução da tecnologia, o começo das redes sociais e o boom da cultura de celebridades e paparazzi.
Desde os anos 80 e 90, as personalidades do mundo da moda deixaram de ficar apenas no backstage e começaram a virar celebridades por si só. Designers são cada vez mais reconhecidos e modelos viram quase semideusas, criando uma certa mística sobre suas personalidades: quem são; de onde vieram; o que fazem; com quem fazem e onde fazem? Esse ambiente foi muito propício para a virada cultural do século XXI, onde celebridades não precisavam mais ser dotadas de beleza e/ou talento.
Com a glorificação e o mistério de conhecer quem são as pessoas mais poderosas da moda, aliado ao sempre crescente império da Vogue Americana, outra celebridade havia nascido, quisesse ela ou não Anna Wintour, editora-chefe da revista norte-americana desde 1988 até os dias atuais, ascendeu à posição de Mulher Mais Poderosa na Moda e todos os holofotes se voltaram para ela.
Com sua aparência intrigante (o bob que nunca muda, os óculos escuros) e sua personalidade reservada, Wintour facilmente tornou-se alvo de fofocas e capas de revista. Quem é essa mulher que mexe todos os pauzinhos na revista mais influente do mundo? É fácil imaginar e tentar se colocar nos pés de alguém tão poderoso e aparentemente inalcançável.
É nesse cenário que O Diabo Veste Prada, o livro, nasce. Lauren Weisberger, recém-formada em jornalismo pela Cornell (também Ivy League, como a Brown, universidade que Andy estudou no livro), trabalha como assistente da editora-chefe mais amedrontadora de todas: Anna Wintour. Meio ficção, meio crítica, O Diabo Veste Prada é uma espiada nos bastidores da revista mais badalada do mundo e uma crítica venenosa sobre os membros dessa elite nova-iorquina.
Weisberger é perspicaz ao perceber que suas experiências poderiam se tornar um best-seller e transforma tudo isso em nada mais, nada menos, do que um dos livros mais icônicos dos anos 2000. É impossível não ter curiosidade sobre o backstage de uma das indústrias mais lucrativas do mundo, que, decorada com modelos lindas, roupas fabulosas e os eventos mais comentados do ano, mascara péssimas condições trabalhistas, chefes abusivos e jogos de poder.
Dotado de uma ótima escrita e de um humor afiado, O Diabo Veste Prada é um must-read para apaixonados por uma boa fofoca, moda e cultura pop.
Tudo isso, pretensiosamente ou não, torna-se praticamente irresistível à uma adaptação nos cinemas. Três anos depois, o filme baseado no livro estreou.
O que faz um filme brilhante
Na Frenezi, sempre batemos na tecla da importância de uma boa equipe para que o filme seja bem sucedido. Em O Diabo Veste Prada, isso é feito com a maior das maestrias. Do diretor à figurinista, do elenco ao editor: o longa é um exemplo de todas as partes trabalhando em sintonia a fim de criar não só um ótimo filme, mas se arriscar a ser um filme perfeito. Deve-se levar em consideração a opinião parcial da autora desse texto -amante do cinema e estudante de moda-, mas não é grande esforço meu te convencer que, apesar de ser grandemente subestimado como apenas mais um chick flick, O Diabo Veste Prada é, sim, um filme excepcional e que alcança sucesso em todas as categorias importantes para se destacar na minha lista de melhores filmes da história.
O roteiro
Dez páginas. Se em dez páginas você entendeu sobre o que é o filme, então é um bom roteiro. É exatamente isso que O Diabo Veste Prada faz.
Em dez minutos você sabe quem é Andrea Sachs (Anne Hathaway), entende que ela não liga para moda e que é recém-formada em jornalismo. Conhecemos Emily Carlton (Emily Blunt), a coadjuvante, que é o total oposto de Andy. Nessa hora também somos apresentados à revista Runway, casa de metade do filme, e a Nigel (Stanley Tucci), a força contrária de Miranda, um personagem levemente baseado no eterno André Leon Talley. A vilã é Miranda Priestly (Meryl Streep): fria, rude e impossível de agradar. Essa é a grande narrativa do filme todo: Andy conseguiria ser aceita e respeitada por Miranda?
Uma falha em muitos filmes da época que O Diabo Veste Prada não comete é a falta de aprofundamento de personagens femininas.
Todas, até Emily, são facilmente assimiladas pelo público e suas motivações são sempre claras e justificadas. Um ótimo exemplo disso é a cena em que Andy encontra Miranda em seu quarto de hotel, em Paris. A Miranda do filme é muito mais humana, e é aqui onde percebemos isso. Com um toque da própria Meryl Streep, vemos a tão temida megera finalmente vulnerável, sem maquiagem, se abrindo com Andy. Não temos outra chance senão de nos compadecer com Miranda, pois, como audiência feminina ( na grande maioria), entendemos as dificuldades de obter sucesso em um mundo onde mulheres podem ter ambição, mas nunca mais que os homens. Mulheres poderosas são vistas como monstros quando homens são parabenizados pelas mesmas atitudes.
Essa genialidade é toda da roteirista Aline Brosch McKenna (e claro, também de Weisberger), rainha dos comfort movies como Vestida Para Casar, Compramos um Zoológico e Crazy Ex-Girlfriend. Eu friso aqui a importância de McKenna porque, apesar de ser um ótimo livro, de alguma forma o filme consegue ser melhor. Talvez seja a indulgência visual que o longa oferece, mas o roteiro é, de verdade, excepcional. Apesar de conter vários momentos de improvisação, grande parte do roteiro foi seguido e mesmo assim permaneceu natural, esperto e engraçado. Frases como Flowers? For spring? Groundbreaking; You eat carbs for chrissake!; Can you please spell Gabbana?, e obviamente o monólogo do suéter cerúleo são icônicos e citados até os dias de hoje.
Não é cansativo, te mantém engajado e respeita o tom da autora original. Essa seção é uma salva de palmas para Aline Brosch McKenna!
O figurino
O Oscar de Melhor Figurino de 2007 foi uma das disputas mais acirradas. Maria Antonieta (2006) é um filme incrível e um dos favoritos da Editoria de Cinema & Tv da Frenezi. A modernização do figurino de época foi extremamente bem feita por Milena Canonero, que nos poupou da previsibilidade de mais um filme histórico que não oferece nada visualmente. Dreamgirls (2006), estrelado por Beyoncé e Jennifer Hudson, também foi um ótimo filme, mas, de novo: mais um figurino histórico.
O que talvez muitas pessoas da Academia não entendem é que, apesar de grandes vestidos bufantes e perucas super trabalhadas serem, sim, incríveis, a dificuldade de construir um figurino contemporâneo que consiga representar a história, ao mesmo passo que sobreviver ao teste do tempo, é muito maior.
É nesse aspecto que Patricia Field deveria ter mais reconhecimento. Sim, Sex And The City – um outro brilhante trabalho da figurinista – foi um marco geracional, mas O Diabo Veste Prada alcança algo que SATC não consegue: o bom envelhecimento da moda da época. Em entrevista para a Harpers Bazaar em 2016, Patricia disse: “Eu acho que atemporalidade é um fator muito importante em tudo o que eu faço. É isso que faz um clássico. É óbvio o que é atemporal e o que não é, mas você precisa de tempo para achar essa resposta.”
Field dá a impressão de, muitas vezes, tentar demais ser vanguarda e fora do normal nos figurinos da famosa série da HBO. Muitos looks de Carrie são completamente sem sentido, tanto para a narrativa quanto para a personagem. Mas, no longa de 2006, ela abaixa o tom, traz um toque de realidade e demonstra o crescimento das personagens de forma mais limpa, clara e primorosa. “Eu amo fazer moda. Eu sempre coloco a moda em todo o meu storytelling porque é quem eu sou, mas eu não estou vendendo roupas, estou contando uma história”, disse Field.
Eu poderia ficar horas e horas apontando o porquê de o figurino desse filme ser genial, e com certeza, se você já conversou cinco minutos comigo, sabe minha fixação com absolutamente todos os looks. Vamos analisar o figurino de cada personagem e o que faz de Patricia Field uma das melhores figurinistas da geração dela (vamos deixar de lado Emily em Paris, em respeito aos olhos da audiência).
Andrea Sachs
Ah Andy, o patinho feio. Podem tentar discutir, mas ela é a pick-me girl original. Nos primeiros minutos do filme já vimos como ela é diferente das outras, como ela não liga para todas-as-coisas-femininas. Brilhantismo da roteirista? Sim. Ali já entendemos quem é Andy por completo.
Desde o começo ela demonstra desdém pelo mundo da moda, pois acha que é tudo muito superficial (alô, monólogo do suéter cerúleo, vamos chegar lá!). Osmocassinshorrorosos, que ironicamente estão muito em alta, e as roupas que não fazem absolutamente nada para valorizar o corpo de Anne Hathaway, representam quem ela é naquele momento: crua e ignorante.
O momento do suéter cerúleo é, na minha opinião, a parte mais brilhante do filme todo. Aqui é o turning point da transformação de Andy, aqui ela entende a importância da indústria da moda.
“[…] esse azul representa milhões de dólares de incontáveis empregos e é quase cômico como você acha que fez uma escolha que te isenta da indústria da moda, quando, na verdade, você está usando um suéter que foi escolhido para você pelas pessoas nessa sala… de uma pilha de ‘coisas’.’’
Depois de vários outros suéteres feios, Andy falha em uma tarefa de Miranda. Procurando consolo em Nigel, que, educadamente, lhe põe no devido lugar quando fala que ela não está levando a sério o trabalho que milhões de garotas matariam para ter, ela percebe que deve mudar. Então chega a parte mais divertida do filme: a transformação.
Andy abandona as saias medonhas, joga fora o mocassim e aposenta os suéteres desleixados. Com um bom banho de Chanel, agora a silhueta muda para algo mais liso e reto, linhas verticais e um entendimento do corpo de Hathaway. É possível perceber uma mistura do estilo das outras personagens, as cores escuras, texturas de Emily e as golas e vibe preppy de Miranda. Vemos ela experimentar com texturas e acessórios, até chegar a escolher suas próprias roupas em Paris. Quando ela se gaba para Nigel de ter ido do tamanho 40 para o 38: esse é o fim da transformação de Andy em uma das clackers que ela tanto criticava no começo do filme. Um mix de elegância e peças refinadas, a nova Andy é muito chique e totalmente diferente de quem costumava ser. Em Paris, seu estilo chega muito perto do de Miranda, com como por exemplo, o decote dos vestidos que elas usam antes de Andy se demitir (parte que, no livro, é muito mais divertida).
O que mais me aquece o coração é o último look do filme, que representa quem ela é de verdade. Mostra como ela aprendeu com Nigel, Miranda e Emily mas continuou fiel à sua essência. É uma Andy casual, prática e ainda bem arrumada. Não sente mais a necessidade de saltos de dez, mas mantém o bom corte de cabelo e as roupas que lhe servem. A transformação está completa.
Emily Charlton
A melhor personagem do filme inteirinho é Emily. Trabalhadora, determinada, irônica, a fashionista que amamos odiar. Ela leva seu trabalho muito a sério e não deixa ninguém interferir nos seus planos. Emily e Nigel são os mais engraçados do filme todo, pois mesmo com os estereótipos, são uma representação fiel das pessoas de moda.
Sua personalidade fria e distante é demonstrada em sua paleta de cores: pretos, cinzas e tons escuros. Emily não é só mais uma clacker, ela é mais avant-garde. As escolhas de peças não são óbvias e mostram seu lado mais arrojado, com silhuetas interessantes e linhas afiadas. Vivienne Westwood e Rick Owens estão presentes no seu guarda-roupa, marcas que, na época, eram mais desconhecidas. Os toques de cor vem nas suas maquiagens (sou obcecada pelas sombras que ela usa) e, obviamente, seu cabelo vermelho brilhante, demonstrando sua personalidade forte.
Ao contrário de Andy, ela não passa por uma transição de estilos pois ela sabe quem é e onde quer chegar. Patricia Field contou para a Bazaar: “[Emily Blunt] foi a atriz com quem eu pude ser um pouco mais expressiva. Eu podia arriscar, ter liberdades, porque ela conseguiria segurar isso dentro do jeito que ela interpretou a personagem. Ela interpretou com ousadia e expressão, então eu juntei isso com o figurino.”.
Miranda Priestly
Miranda é o suprassumo da classe e elegância. Ao conhecer Meryl Streep pessoalmente, Patricia pensou imediatamente em Donna Karan. “Eu fui para os arquivos de Donna Karan, porque quando ela começou nos anos 1980 e 90, suas silhuetas eram clássicas, atemporais, vestiam bem as mulheres e não eram complicadas.”.
A ideia era criar um guarda-roupa para Miranda que não refletisse as tendências da época e, dessa forma, parecesse já ser seu estilo próprio. Para criar a aparência de uma editora-chefe poderosa, Patricia evitou propositalmente fazer a conexão com Anna Wintour. Ela queria criar algo novo, que não tivesse sido feito antes. Junto de Meryl e seu hair stylist, o penteado totalmente branco de Miranda nasceu, parcialmente inspirado pela ex-editora da Harper ‘s Bazaar, Liz Tilberis.
Miranda é clássica, mas também um pouco sexy. Era importante para Streep e Field mostrar esse lado poderoso em mulheres mais velhas. A única vez que vemos Miranda com um look simples é em Paris, quando seu marido pede o divórcio e ela se abre com Andy, mostrando vulnerabilidade.
Os fabulosos casacos de pele, os terninhos, bolsas, óculos escuros e cintos foram todos um mix de Donna Karan, com toques de Valentino e, claro, Prada.
Field conseguiu dar personalidade a uma das personagens mais memoráveis da cultura pop, fazendo você não só temê-la, mas também desejar ser ela.
O elenco
Boa parte do sucesso de O Diabo Veste Prada veio pelo alto calibre do elenco. Obviamente, quando se tem Meryl Streep a bordo, as coisas vêm muito mais facilmente.
Anne Hathaway ainda estava no começo da carreira, tendo deixado a Disney depois de O Diário da Princesa, e obteve elogios em seu papel coadjuvante em O Segredo de Brokeback Mountain. Era o seu primeiro filme “sério” como protagonista. Emily Blunt também teve sua estreia em um filme mais reconhecido internacionalmente, impressionando a todos.
Stanley Tucci não precisava de introduções… ator versátil, engraçado e perfeitamente perfeito. Todo filme é um bom filme se tem Stanley Tucci no elenco (amo ele em A Mentira).
Meryl Streep conquistou mais uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz, e todo o resto do elenco continuou a ter uma carreira longa e bem sucedida. Apesar de amar todas as atuações, nenhuma delas acima citada é a minha parte preferida do filme. Como falar da genialidade de trazer Gisele Bündchen para fazer uma pontinha?
Faz todo o sentido trazer a melhor e mais famosa modelo do mundo, no melhor e maior filme de moda da história. É engraçado porque Gisele é citada no livro, na parte em que Andy vai para o Met Gala. Ela diz que a Gisele não é tão bonita assim pessoalmente, e adoro a ironia do diretor David Frankel em trazer ela como um membro da Runway. Na verdade, a ideia veio da roteirista Aline, que encontrou Gisele em um voo. A über disse que só participaria se ela não interpretasse uma modelo.
Personalidade intrínseca à moda dos anos 2000, Gisele como Serena não só traz aquele momento de ‘ei! eu conheço ela!’, mas também mostra como em sintonia estavam as pessoas que fizeram o filme com o who is who do mundo da moda.
Outras menções honrosas são Heidi Klum e, claro: Valentino Garavani. Wendy Finerman, a produtora do longa, foi quem conseguiu a aparição do designer. Acerca do medo de muitas pessoas de participar do filme e irritar Anna Wintour, Wendy disse: “Ele tomou uma posição, alguém ia se manifestar e nos apoiar, e isso foi ótimo porque ter Valentino nos deu credibilidade. Ele é um ícone.”.
A música
Sim, chegou a hora de falarmos da cena de abertura.
O poder que essa sequência tem sobre mim não é normal. Toda vez que eu me arrumo para sair, Suddenly I See da KT Tunstall toca automaticamente na minha cabeça. Julia Michels é a responsável pela supervisão de música de O Diabo Veste Prada e muitos outros filmes como Pitch Perfect (2012) e Nasce Uma Estrela (2018).
Músicas de Madonna, U2, Alanis Morissette e outros artistas incríveis, trazem um toque especial ao filme. Um destaque também para Theodore Shapiro, que compôs a música original do filme, tão icônica quanto às acima citadas.
O legado e o futuro
Dezesseis anos depois, O Diabo Veste Prada se mantém relevante e permanece no topo dos filmes mais amados do século. Um perfeito exemplo de excelência, o longa conquistou um público que excede as barreiras de idade e gênero, sendo apreciado por todos os tipos de telespectadores.
Após se tornar um ícone da cultura pop, ele ascendeu ao status de obra-prima. É possível para cada pessoa se identificar com alguma parte do filme. Em entrevista à Teen Vogue, Lauren Weisberger disse: “Na final das contas, é sobre uma garota recém-formada da universidade que não só tem o seu primeiro emprego depois da faculdade, mas também uma chefe terrível. É algo que eu ouvi várias e várias vezes de jovens mulheres pelo país todo. Nem sempre se parecia com Miranda Priestly, e nem sempre era na indústria da moda, mas todo mundo teve essa experiência. Pareceu universal.”
O filme não mudou só as nossas vidas, como também o mundo da moda afora. Abriu espaço para mais pessoas desabafarem sobre as péssimas condições de trabalho, abusos e bullying. Anna Wintour até citou o filme no documentário da Vogue The September Issue.
Anna também foi em grande parte impactada pelo filme, sempre usando isso a seu favor. Na reunião do elenco em 2021, a roteirista Aline contou para a Entertainment Weekly que Wintour estava presente nas primeiras screenings de O Diabo Veste Prada. “Ela sentou bem na minha frente e do David Frankel com a filha dela e vestiu Prada, o que mostra que ela tem um grande senso de humor!”.
E o legado de Lauren Weisberger não para por aí. Esse ano mesmo, o musical baseado no livro e filme estreia na Broadway, com músicas compostas por ninguém mais, ninguém menos, que Sir Elton John. “É tão legal que ainda seja relevante, que ainda se mantenha”, disse Lauren para o Independent.
A previsão é de que esse legado continue a se expandir, pois, assim como o figurino, o filme é eterno e continuará sendo citado pelos anos seguintes. Sei que ainda vou recorrer a ele em dias que preciso de um comfort movie ou de apenas uma inspiração. O Diabo Veste Prada é um exemplo do poder dos filmes em nos acompanhar pela vida, e ser parte intrínseca dela.
Bem: finalmente chegamos na primeira segunda-feira de Maio, após dois anos turbulentos de pandemia. Em 2021 foi anunciado que o baile e a exposição do Costume Institute — órgão regulador da preservação ativa de tecidos e roupas históricas do Metropolitan Museum of Art — foram divididos em duas partes.
Sendo a primeira parte uma ode a moda Norte-americana com um twist moderno (como roupas de designers independentes), brilharam na exposição peças como o vestido xadrez de Christopher John Rogers ou criações de Prabal Gurung. O tema escolhido para o baile de 2021 foi exatamente sobre essa ativa exaltação da moda Norte-Americana.
Infelizmente o evento acabou sem muito clímax, com uma grande quantidade de convidados esquecendo o tema em casa e oportunidades perdidas de grandes momentos que poderiam ser memoráveis. Poucas previsões sobre a volta do baile naquele ano foram vingadas, e o esforço de um baile pós-pandemia de parar o mundo da moda com grandes entradas realmente não aconteceu com a força que muitos desejavam.
Os organizadores e curadores do evento, Andrew Bolton e Anna Wintour, nunca foram de perder muito tempo — a segunda parte do evento contará com uma representação histórica estadunidense, incluindo vestimentas utilizadas durante o racionamento na época de guerra, Era Dourada, anos vinte, entre outros grandes momentos ligados diretamente com a história da moda americana:
“Esta segunda exposição, apresentada em 13 das salas do período americano no Met, “fornece um contexto histórico para Lexicon, de certa forma”, disse o curador Bolton. “As histórias realmente refletem a evolução do estilo americano, mas também exploram o trabalho individual de alfaiates, costureiras e designers”, diz ele. “O que é emocionante para mim é que alguns dos nomes são muito familiares para os estudantes de moda, como Charles James, Halston e Oscar de la Renta, mas muitos outros nomes realmente foram esquecidos, ignorados ou relegados às notas de rodapé de história da moda. Portanto, uma das principais intenções da exposição é destacar os talentos e contribuições desses indivíduos, e muitos deles são mulheres.”
Andrew Bolton para a Vogue UK.
Na última linha de cada convite para o baile do Costume Institute é possível encontrar o tema e o código de vestimenta para o evento. Todos os anos desde sua fundação em 1943, o tema do baile é proporcional à exposição anual do instituto de figurinos, sendo a exposição deste ano (‘In America: An Anthology of Fashion’) construída em torno dos princípios do estilo americano entre a sua história e celebrando designs dos EUA, segundo a Vogue. Levando em consideração essa ligação, o tema escolhido para esse ano olhou para uma era específica interessante.
O título oficial do tema é o “Gilded Glamour” uma intrínseca nomeação, qual é a junção do “Gilded” — que se refere a Gilded Age, a era dourada — e o “Glamour” como uma volta para as raízes glamourosas e opulentas do baile. Após críticas sobre o ano passado, esse será um baile com o código White Tie como vestimenta oficial. O evento acontece na primeira segunda-feira (02) de maio, com os co-chairs como Regina King, Blake Lively, Ryan Reynolds e Lin-Manuel Miranda.
A série distribuída e produzida pela HBO Max Era Dourada (2022)
O tema
A Era Dourada foi um momento de grandes inovações em diversos departamentos da sociedade. Máquinas sendo construídas, tecnologias se desenvolvendo, imigrantes embarcando para os EUA, e uma nova classe social endinheirada graças às revoluções industriais surgia após os racionamentos da Guerra de Secessão — em Nova Iorque uma verdadeira guerra fria aconteceu entre os antigos ricos e os novos rico. Um tempo de movimentação social e o começo da dita modernidade, uma nova era estava no ar e era possível sentir.
O nome “Era Dourada” foi popularizado graças ao escritor Mark Twain, que se refere exatamente a 1873 até meados de 1890 como o período dessa efervescência cultural americana. Mas sabem quem realmente prosperava neste tempo? A farta alta-sociedade nova iorquina.
James Tissot (1836-1906). Les Demoiselles de Province (Reprodução/FIT)Edgard Farasyn (Belgian, 1858-1938). Sad News (Reprodução/FIT)Ilustrações de cartilhas de moda entre 1880 (Reprodução/FIT)
O Met Gala 2022 pedirá a seus participantes que incorporem a grandeza e talvez a dicotomia da Gilded Age de Nova York: a prosperidade, mudança cultural e industrialização sem precedentes, quando fortunas aparentemente surgiram da noite para o dia. A Sra. Astor e seus 400 governaram a sociedade educada até que os Vanderbilts com dinheiro novo se forçaram a entrar. E imigrantes chegavam em navios fartos para tentar a sorte na cidade de Nova Iorque, assim como pessoas dentro do país tentavam se estabilizar e esquecer a guerra passada.
New money x Old Money:
“As melhores histórias tendem a contar com uma fada madrinha para acenar sua varinha mágica para fazer acontecer, mas na vida real, um pai bem colocado pode fazer o truque” Nina-Sophia Miralles em ‘Glossy: The inside story of Vogue‘.
Carolus-Duran (1890) Mrs. William Astor, Caroline Webster Schermerhorn, 1831–1908 (Reprodução/MET)
Nascida como Caroline Webster Schermerhorn, a Senhora Astor era uma herdeira milionária em seu direito próprio: depois de ter criado cinco filhos começou a procurar por seu chamado verdadeiro, era uma mulher descrita como ainda regente às severidades da era Vitoriana. Ela decidiu que sua trajetória era proteger uma hierarquia elitista estabelecida por sua posição vantajosa entre as duas principais famílias ricas de Nova Iorque na época.
Em 1892 foi anunciado para a imprensa que a Mansão Brownstone da família Astor na quinta avenida conseguia acomodar apenas 400 pessoas em seu salão de baile. A capacidade do cômodo era uma simbologia: em conjunto com a tenacidade de sua proprietária, os 400 convidados personificariam o que havia de melhor da sociedade Nova Iorquina — afinal, que jeito melhor de deixar os novos ricos de fora do que literalmente tirá-los das festas?
Figurinos de A época da inocência (1993).
Os quatrocentos se tornaram rapidamente um apelido para a quantidade limite de quem poderia entrar para o status quo tradicional, preparados para serem reconhecidos como socialmente relevantes. Entre dos quatrocentos (e um grande aliado da senhora Astor) estava Arthur Turnure, que também procurava uma nova trajetória e no mesmo ano se preparava para introduzir sua debutante à sociedade — a jovem se chamava Vogue. Não por coincidência, a primeira edição da revista tinha como ilustração de capa uma debutante à bordo de uma cintura apertada e luvas longas, com as letras VOGUE acima.
Turnure era um cavalheiro muito bem conectado na sociedade. Charmoso, eloquente, entusiástico e cosmopolita são palavras utilizadas para descrevê-lo, segundo a autora, e muito da antecipação da cidade em conhecer sua nova empreitada vinha de sua popularidade eminente. A carta de abertura da primeira edição da revista era cheia de significado reforçando a importância da elite de Nova Iorque;
“A sociedade americana tem a distinção de ser a mais progressista do mundo: a mais salutar e a mais benéfica. É rápido para discernir, rápido para receber e rápido para condenar. Não é atrapalhado por uma nobreza degradada e imutável. Tem o mais alto grau de aristocracia fundada na razão e desenvolvida na ordem natural.” Parte da carta de abertura da revista Vogue assinada por Arthur Turnure.
Os meios de comunicação também prosperavam durante esse tempo: telefone, jornais e revistas tiveram suas circulações aumentadas e mais páginas adicionadas. O tema deste ano do baile do Costume Institute não apenas é uma ode à um momento especial da cidade de Nova Iorque, é uma ligação direta com a história da própria revista Vogue, sua criação e seu fundador não conseguiriam de forma alguma prosperar sem a ajuda da alta-sociedade e a benção da senhora Astor.
O que esperar do Baile do MET de 2022?
“Para o alto escalão, a moda naquele período era de excessos. Graças às recentes inovações dos teares elétricos e movidos a vapor, o tecido tornou-se mais rápido e barato de produzir. Como resultado, os vestidos femininos geralmente apresentavam uma combinação de muitos tecidos, como cetim, seda, veludo e franja, todos adornados com texturas exageradas, como rendas, laços, babados e babados. (O edital não oficial? Quanto mais acontecendo, melhor.)” – Elise Taylor para a Vogue US.
Grandes capas da Vogue nesta época conseguem traduzir um pouco das lentes, opulência e glamour que a vestimenta reproduzia nessa época, com uma infinidade de tecidos como veludo, renda e tafetá, tons de joias com baixa exposição e grandes pedras adornando os pescoços. Podemos esperar realmente um baile como nenhum outro. Se o tema for seguido.
Acredito que uma previsão com a qual podemos contar é a reinterpretação da palavra Gilded como uma forma de vestimenta completa: vestidos inteiros em dourado, grandes joias em ouro, o dourado como o ponto central e completo do look. Vestidos longos com caudas e bordados no tom, Schiaparelli de Daniel Roseberry, Loewe de Jonathan Anderson e Versace de Donatella Versace seriam ótimos para representar essa parte mais moderna da interpretação do tema.
Afinal, não podemos pedir uma silhueta de 1870 em um baile de 2022, poderia ficar até caricato de certa forma… Mas existem nuances que podem te fazer entrar no tema sem perder a beleza moderna e agradar os amantes da moda. Interpretações de códigos da Era dourada como corsets dos mais variados tipos, especialidades de Vivienne Westwood e John Galliano; luvas adornadas, decotes, tecidos ricos e tons de jóias podem ser ótimas apostas; pedrarias e pérolas podem funcionar a favor do look. Depois de um tempo turbulento na indústria e um baile anti-climático em 2021, esperamos que com um tema tão rico e glamouroso, com inúmeras referências e oportunidades, os convidados tenham criatividade para entregar um Baile do Met memorável.
Frenezi 